domingo, 31 de enero de 2016

Lemmy Kilmister y Samantha Fox




Si dijera que soy fan de la música de Motörhead, mentiría, por eso desde que Lemmy se fue el día de los santos Inocentes no he dicho nada que supere a los verdaderos fans de lo que ha hecho Kilmister en el rock. Aunque sí que he notado que mucha gente más metida en Motörhead que yo también se queda con el personaje, irrepetible. 

Porque el Lemmy Kilmister que yo he conocido era eso, un personaje genial y divertido. Fue con su documental cuando descubrí la persona detrás y la elección que había hecho de modo de vida y aprendí a apreciarlo un poco más. Aunque siempre estará ese personajazo capaz de darnos historias como ésta. Cuando Lemmy encontró a Sammy...la versión moderna y hard de la bella y la bestia 

La misma Samantha Fox contó la historia hace unos años en una entrevista. Que se conocieron cuando ella tenía diecisiete años y ya posaba para el Sun (enseñando pechonalidad, claro) Resulta que Samantha antes de salir medio en bolas tocaba en una banda y se declaraba fan de Motörhead,  Kiss, AC/DC, Van Halen...la chica perfecta vamos.
la Sammy del 83 que impactó a Lemmy 
 Lógicamente a Lemmy le sorprendió eso. Él ya era "fan" de sus fotos (como media humanidad) así que se fue directo a ella en una fiesta de caridad en la que coincidían y enseguida Lemmy le propuso hacer una canción juntos (¡y no llevársela al huerto!) 

Así que la Fox fue a su casa, para descubrir que una pared de su salón estaba empapelada con sus fotos...Lemmy hizo como si allí no pasaba nada y empezó a preguntarle qué clase de canción quería hacer. Un dueto Kenny Rogers/ Dolly Parton en versión heavy, algo a lo  Abba. Samantha Fox se quedó a cuadros cuando descubrió que Lemmy escuchaba Abba para inspirarse. Si es que era un personajazo...

Lemmy llegó adonde ningún mecánico/adolescente
español y ochentero se atrevió

El caso es que por los líos de los Motörhead con la discográfica de entonces, el single que grabaron se quedó en el limbo, pero la amistad de estos dos personajes en principio tan dispares se mantuvo con el paso de los años (Estoy pensando qué se le pasaría por la cabeza a Rafi Camino) y ahí están esas fotos. Sí, Lemmy y Samantha Fox eran amigos... si hasta la llevaba a jugar a las tragaperras y le pedía que le frotara las monedas antes de meterlas en la ranura (ojo que sigo hablando de tragaperras) Aunque la Fox no ha aclarado contra qué frotaba las monedas...

                 
                          anda, aquí más conexiones Samantha Fox/Universo "Kilmisteriano"...


sábado, 30 de enero de 2016

2112 de Rush, 40 aniversario



El disco que todo fan de la banda canadiense conoce y venera (al menos el sector friqui que está pendiente de que el reloj marce las 21:12) está de aniversario redondo. Supongo que llegará la consabida reedición...mientras tanto, algunos de sus protagonistas lo están recordando por ahí y uno se entera, todavía, de cosas curiosas de los templos de Syrinx y demás material. 


Que lo sepas
Para empezar que cuando grabaron este disco, los de Toronto estaban apunto de irse al garete como banda, porque su tercer disco caress of steel no había funcionado bien. Ellos mismos estaban seguros de que 2112 sería su último disco, porque no solo no habían despegado sino que su compañía, Mercury, estaba perdiendo la paciencia por cosas como su canción the fountain of Lamneth en ese disco, que duraba 20 minutos y era prog rock puro...o sea un tema ideal para fabricar punkies, recordemos que es 1976...y es que a los Rush les pirraba el rock progresivo más clasicote, el de Genesis o Yes, que ya no estaba tan, tan en boga aunque le quedaba cuerda para rato. Para la era la gota que colmaba el vaso, Rush era un grupo que con esos tintes progresivos hacía hard rock setentero, habían teloneado a Kiss en su momento de mayor esplendor, no estaban consiguiendo hacerse un nombre, sus conciertos llenaban la mitad del aforo...Geddy Lee, Alex Lifeson y Neil Peart lo sabían y veían su futuro más negro que los cojones de un grillo, hablando en plata. Por eso decidieron pasar de todo y hacer lo que querían, despedirse a lo grande, si es que era el caso. Better burn out than fade away, que diría el paisano Neil Young. Grabarían otro tema de unos veinte minutos, basándose en una novela de ciencia ficción de una tal Ayn Rand, titulada Anthem, Y el resto, como suele decirse es historia. 

Curiosamente, pese a lo elaborado que parece ese tema, que ocupaba una cara entera del vinilo original, 2112 es un tema compuesto y grabado muy rápidamente, aunque aquí si acertaron al equiparar rock progresivo con hard rock, recordemos la parte de Overture y the temples of Syrinx. Sentian que sonaban bien y por eso se lanzaron a componer temas cortos en la otra cara, mostrar a esos Rush más enérgicos y directos, los de  a passage to Bangkok o something for nothing. Así a toda mecha. Rush y el productor Terry Brown terminaban una toma, se fumaban un porro, descansaban hasta estar limpios y vuelta al tajo. Así el disco estaba terminado en un mes.  


En Mercury por supuesto se quedaron a cuadros, pero gracias a un directivo, Cliff Burnstein, el mánager luego de Metallica y Def Leppard, que creyó en ellos, el disco salió a la luz. Y se montó una buena en el Reino Unido, con toda la agitación del punk y los neonazis que había entonces. Algunas revistas como el NME les tacharon de fascistas, ya que Ayn Rand, la autora de la novela original, era una escritora situada en la extrema derecha...algo que poco tenía que ver con los tres canadienses. Afortunadamente el follón no los hundió sino todo lo contrario, gracias al directo y al artwork de Hugh Syme, señor con el culo al aire incluido (curiosa costumbre setentera de las portadas) el disco se vendió bien y Rush superaron el bache, llegando a ser la banda longeva con más de cuarenta años de carrera. 




¡Rush y las Runaways de copas!
El 76 molaba




viernes, 29 de enero de 2016

Gaita en el rock sí/Gaita en el rock no: el debate



Sí, seguramente de los instrumentos ajenos que se pueden incorporar al rock la gaita sea, junto con la flauta (Ian Anderson aparte) el que más recelo nos cause y con razón. Cualquier instrumento  de viento susceptible de ser tocado por alguien con complejo de aerofagia nos puede dar un mal rato. Ya de por sí, antes de tocar, ver aparecer una gaita en escena provoca inquietud, con ese aspecto que tiene (y que no se me rasguen las vestiduras los amantes del folk celta) que recuerda a un cojín de esos para tirarse pedos de broma 

y a los pedorros les gustan las gaitas

Pero a veces la cosa funciona...he aquí el dilema que dilucidaremos en duelo, con el arbitraje y las normas "Ayatolianas" luego cada uno que se forme su opinión. Evidentemente dejaré al lado el rock y el folk celta, a los que se presupone habilidad suficiente para no soltar "peos macabeos". Veamos qué he encontrado

A FAVOR 

Eric Burdon


¡Sopla, Eric Burdon! No esperabais al líder de los Animals aquí ¿verdad? Confieso que yo tampoco. Pues sí, en ese par de álbum sesenteros imprescindibles en los que mezcló el blues con la psicodelia estaba este tema, que como veis al final incluía de forma acertada una gaita. 

AC/DC


Obviamente, con sus raíces escocesas y en estado de gracia, Bon Scott y cía no podían fallar ni aunque quisieran. Ahí los tenemos mezclando gaitas por triplicado y guitarras y saliendo bien del paso ¡Puede que éste sea el tema donde más han arriesgado Angus y cía en toda su carrera!

John Farnham


AOR meets bagpipe...todo es posible y todo puede funcionar. He aquí la prueba, con uno de los mayores "jitazos" del género en los ochenta

The Church


Sí, en otro tema tan emblemático también hay un solo de gaita. Y bien que queda, oiga. 

Steve Earle 


Obviamente, Copperhead Road tiene que sumar 

Peter Gabriel: 



Us es no solamente un álbum fundamentales de amor/desamor sino uno en el que Peter Gabriel más acertó al incluir pinceladas de world music, de esas que tanto le gustan. Come talk to me empieza con gaitas y con ellas te vas metiendo en faena...

Tears for Fears

Sí, en el "otro" tema de Tears for Fears también suena una gaita. No es que se note mucho, por eso probablemente suma más que resta. 

Slade/Big Country 

O los sintetizadores convirtiendo guitarras en gaitas. Los de Noddy Holder nunca fallan y en run runaway dan ganas de hacer el bandarra en ese castillo con ellos. Y ya sabemos que ese sonido es la marca de la casa de Big Country y que nadie lo hace mejor que Bruce Watson. 

In Extremo

El Ayatola hablando de metal medieval y para bien...pues esto tiene su punto, oiga, con el tonillo épico a lo William Wallace sumado al ambiente de cántico futbolero, aunque no tenga ni repajolera idea de lo que dice este buen hombre con voz a lo Justin Sullivan


Y en contra... 

Gwar 

Ostras, Gwar +Gaitas...esto no pega nada. Claro, que algo que pegue con Gwar...

Alex Harvey Band


Me molesta poner a un tipo como Harvey en el debe, pero aquí se pasaron un poco de frenada con tanto coro femenino y tantas...gaitas

Ron Wilson/ Sean Folsom

El guitarrista de los Surfaris se alía con unos gaiteros de las Highlands y se saca de la chistera una versión gaitera de Louie Louie que no hay por donde cogerla. Ni siquiera con mucho Jack Daniels en el cuerpo

Sting
Uff. Sting en su etapa más "música de hilo de ascensor" también puso la guinda al pastel usando gaitas en uno de sus temas más pelma...

El Cantante de Korn


No contento con tocar los pelengues con su música, el amigo Davis se nos viene arriba en el calor del momento y se marca en directo sin venir a cuento unos solos de gaita para deleite de su público y duelo y quebranto para el resto del mundo. 

Mago de Hez


Prefiero torturaros con el apartado visual solamente y ahorraros el sonoro 

Grave Digger


El metal alemán es un mundo aparte, para bien y para mal. Aquí un álbum conceptual sobre la historia de los clanes escoceses con gaitas por doquier y portada acoj..gotante. Con un par, sí señor. 

Red Hot Chili Pipers

Que no peppers. Pues sí. Un grupo tributo de "rock anthems" basado en las gaitas. Supongo que un día en el pub, con unas pintas de más alguno de ellos diría "No hay coj...de hacer una banda tributo al rock con gaitas" Como son escoceses, hubo pelotas. Y gaitas. Y bailarinas. 


En fin, que gana el sí al no por poco, al menos por aquí, así que úsense las gaitas con moderación. Espero que no os hayáis saturado...

jueves, 28 de enero de 2016

Te lo recomiendan... ya que nadie más lo hará: Steve Forbert, streets of this town



Con su nuevo disco he recordado el otro trabajo que más me gusta de  Steve Forbert, aparte de Jackrabbit Slim y menos conocido que aquel, porque no tiene un Romeo´s Tune. 

Es 1988 y Steve Forbert vuelve a publicar después de cuatro años en las que su compañía de discos le bloqueó cualquier posibilidad de sacar álbum al mercado, hasta que fichó por Geffen (que estaba empezando a hacer caja con los Guns del Appetite) 

Ese debate está de alguna manera presente en este disco. Hay energía, cierta liberación pero también madurez ganada por haberlo pasado mal. La candidez de sus primeros discos ya no está, pero no es todavía el artista que tiene algunos problemas de voz hoy en día. También se nota la sombra alargada de John Mellencamp que en ese momento era el "one" en cuanto a singer songwriters gracias a Lonesome jubilee. Así que no está nada mal la cosa...no hay más que escuchar running on love nada más empezar o and we live and breathe. Claro que hay otros temas como don´t tell me, I know que es puro Tom Petty, También tenemos canciones viajeras introspectivas de las que molan como México, antes de despegar otra vez con tres temas que son pura energía, hope faith and love, perfect stranger y wait a little longer. La verdad es que la intensidad que emana este disco no baja apenas, eso también es bueno. Y finalmente, como guinda para el pastel está la canción que da título al álbum, un medio tiempo maravilloso, lo mejor que ha compuesto nunca Forbert.

En definitiva, un disco puro de singer songwriter que si os gusta el género no deberíais dejar mucho tiempo sin incorporar a la colección, para ponerlo pegado al Lonesome Jubilee. 





domingo, 24 de enero de 2016

Stock, Aitken and Waterman: ¿realmente se puede rescatar "algo?





Ah, los tres reyes Midas del pop ochentero...seguramente os den dentera a la mayoría, aunque en el fondo, como el tiempo todo lo cura y estamos como estamos acabaremos todos por echarlos de menos...pero realmente hubo algo en sus canciones y producciones que mereciera la pena de verdad? No estoy muy seguro, pero desde luego curiosidades no faltan en la hoja de servicios de estos tipos. 

Como por ejemplo quién confió en ellos casi por primera vez y tuvo éxito: ¡Divine!

No puede decirse que los tres solo creyeran en artistas para todos los públicos, aunque este single funcionó bien, aunque nada comparado a otro tema con cierto tufillo "sórdido" también, que conocemos perfectamente: 



Petardeo y ambigüedad al cuadrado...directos al número uno en Reino Unido. El comienzo de la era dorada de S&a&W, que saltaron de Dead or Alive a colaborar con Bananarama, firmando la famosa versión de Venus. Facilidad para componer temas con gancho tenían, eso es innegable. Se puede apreciar en temas de artistas que conocemos menos y que gracias a ellos fueron one hit wonders: 



 Como se escucha, incluso coqueteaban con el soul. Y gracias a ellos algunas artistas con pocas dotes musicales (y muchas otras dotes) tuvieron temas que aguantaron bien el paso del tiempo. Ésto tenía más encato que boys boys boys, desde luego: 



 En fin, fue aquí dónde pasaron a Rick Astley, Kylie Minogue...y siguieron arrasando.Aunque ya entonces les metían caña:
 

Aún así, nada menos que Judas Priest llegaron a confiar en ellos, ojo, justo antes de sacar su painkiller. Cuesta creerlo, pero parece que fue así, aunque los tres temas que les produjeron nunca se han publicado. También el mismo McCartney colaboró con ellos en uno de esos singles caritativos tan ochenteros, una nueva versión del tema  Ferry cross the Mersey

En fin, incluso se reservaron temas para ellos mismos...que suenan mejor que algunos de sus megahits: 


En fin, que sí que casi los echamos de menos...

sábado, 23 de enero de 2016

John Hiatt master of disaster




Este álbum de Hiatt va cogiendo tiempo y sabor, como el vino. Ya hace más de diez años que salió al mercado y sí que marcó una nueva etapa en la carrera de John Hiatt, la de madurez y bastante trabajo. Personalmente sigue siendo, lejos de Bring the family, que es excepcional, el trabajo que más me gusta del americano. 

Curiosamente como en Bring the family,  para master of Disaster Hiatt volvió a reunir una banda de músicos de nivel, los hermanos Dickinson, de North Mississippi Allstars  y David Hood, el padre de Patterson Hood de Drive by Truckers, por lo que el sonido del disco vuelve a ser más que notable. Ahí tenemos la homónima y reflexiva master of disaster, un tema que firmaría el mejor Tom Petty como es love´s not where we thought we left it, un blues lento y acústico como ain´t ever goin back para dejarse la piel, pinceladas de ironía como wintertime blues, old school, con John Hiatt ya metido en el papel de veterano que lo juzga todo desde esa óptica, un tema bellísimo como howlin down the Cumberland que a mí siempre me ha recordado a put it there de McCartney...incluso se permite hacer de bluesma legendario para cerrar el disco con back on the corner. 

En fin, un disco que fue el principio de la última etapa de Hiatt, la que llega hasta ahora, de madurez...para bien. 



Y pongo cara de viejo verde porque me da la gana

viernes, 22 de enero de 2016

Glyn Johns, padre de Ethan y productor


El último disco de Ethan Johns ha sido muy bien acogido, sobre todo por los aficionados a los sonidos más folk rock y americana,algo que está bien, pero que puede conseguir que su padre Glyn pase a ser simplemente el "padre de"...cuando hablamos de otro de los grandes productores del rock. No hay más que echar un vistazo a su biografía y currículo. 

Empezó a los veintiséis años produciendo una banda poco conocida del rock británico sesentero, the Presidents, antes de producir los dos primeros trabajos de la Steve Miller Band en los míticos Olympia Studios, que le permitieron acceder nada menos que a los Beatles, que no acertaban con la tecla de lo que seria let it be. Finalmente los de Liverpool rechazaron sus ideas y eligieron a Phil Spector, cuyo trabajo final Johns considera...un montón de basura. Mira, como el propio McCartney

Johns y Macca
 Eso no iba a suponer que su carrera en la mesa de los estudios se estancara precisamente...produciría el debut de Led Zeppelin, el get yer ya ya de los Stones, Who´s next, repetiría con los Who en sus últimos discos y el fantástico trabajo a medias entre Pete Townshend y Ronnie Lane, a nod is a wink...de los Faces, que quedaron encantados con su trabajo, los dos primeros discos de los  Eagles, aunque nunca se entendería con el fallecido Glenn Frey, algo más adelante incluso  Midnight Oil le llamarían para dar una producción más "internacional", los Clash de combat rock, New Model Army para the Ghost of Cain...y últimamente, rescatado de un semi retiro, a Ryan Adams o Band of Horses. Ahí es "na". Hasta hay una técnica de grabación con su nombre, que alinea los micrófonos de la batería de tal manera que el sonido sea más natural. Desde luego, no parece que sea solamente el "padre productor del también productor Ethan Johns" 


"Qué lo sepasss"

jueves, 21 de enero de 2016

Diez años sin Arthur Lee



Arthur Lee en los sesenta
con un "mindundi"



Este 2016 hace el aniversario de la pérdida del líder de Love. Con el tute que llevamos estas semanas con los fallecimientos inesperados, no es que apetezca mucho recordar otro de hace una década, pero al mismo tiempo me gustaría rendir homenaje, no sé si habrá alguno más, a Arthur Lee. 


Como se marchó fue algo raro. Después de una travesía por el desierto incluyendo cinco años en el talego, en el 2004 Lee reapareció a lo grande con forever changes concert, en el que recreaba en directo el extraordinario disco de Love junto a una banda joven como Lemonade. Los malos tiempos parecieron quedar atrás para el problemático genio, que reaparecía como gurú y músico de culto de los sesenta, por fin reconocido y lo que era mejor, con expectativas de vivir una época de madurez en lo profesional. No pudo ser, muchos recordaréis que en el (dichoso) FIB de Benicássim Lee dio un concierto lamentable, borracho, al parecer afectado por la muerte de su amigo Rick James (sí, el de superfreak) y su reputación, al menos aquí, volvió a caer en picado. Luego llegó la enfermedad, la leucemia...pensé que pese a lo serio que parecía el líder de Love se recuperaría, hasta recuerdo a Robert  Plant, otro fan, organizando conciertos benéficos para él con gente como Ian Hunter, Ryan Adams o Nils Lofgren pero no pudo ser y se nos fue en agosto. En general Arthur Lee acabó teniendo una vida bastante triste, con muchos sinsabores, es un tanto irónico para el líder de una banda que se llamó Love. 

Pero estamos aquí sobre todo para celebrar su música, por supuesto con forever changes a la cabeza. Pero también que fuera un pionero de rock en Los Ángeles, uno de los primeros en apostar por un grupo mixto (Love lo fue en sus primeros años) de blancos y negros, apostó por la psicodelia, puede que grabara con forever changes el primer álbum conceptual (ya sabemos que hay opiniones para todos los gustos) metió por primera vez influencias latinas (alone again or) y puede que hiciera una de las primeras canciones punk de la historia, a partir de una acústica (seven and seven is) Incluso descubrió gracias a una novia el potencial de Los Doors en el Whisky a go go, que luego le comieron la tostada. Un genio, complicado, contradictorio, pero genio a fin de cuentas. 

Además hay una novedad en el mercado de Love, para completar este recordatorio. Se trata de la reedicion del último disco que grabó con el nombre Love en 1972, Reel to real, con un quinteto de músicos de color y tratando de adaptarse a los nuevos tiempos que corrían. O sea soul, funky, el sonido que venía de Muscle Shoals...un disco diferente a forever changes, da capo o four sail, pero que puede servirnos para entender la entidad de un tipo como Arthur Lee. 








domingo, 17 de enero de 2016

Gran Bretaña 76. Pues todo no era punk


Exaltación del "culo pollo" 


Pues sí, aniversario redondo del género (o subgénero porque hablamos del punk british)y ya me veo que llegará a lo largo del año el sentido homenaje de los medios y algún nostálgico. Todo crestas, chupas, pendientes, salivazos en los conciertos (vaya invento) pogos y los Pistols hasta en la sopa. Ah, aquellos días del no future...(y eso que aún no había llegado la Thatcher) En fin. Con sus cosas buenas (reacción a los excesos del rock progresivo que estaba desmadrado, un grupo como los Clash) tampoco era tanto. Desde luego no todo era punk. El resto del rock gozaba de buena salud en las islas, ya nos gustaría hoy que salieran estos discos y estuvieran en activo estas bandas y eso que voy a dejarme cosas en el tintero. Vamos con el botón como muestra: 


En 1976 llegaba el segundo disco de Rainbow, que parecía al fin una banda con la llegada de, ojo, Cozy Powell y Jimmy Bain. Blackmore estaba viviendo una segunda juventud controlando el proyecto y Dio se confirmaba para el gran público como una voz única. 


Rory Gallagher estaba en racha, demostrando que era aún más que el guitarrista que había asombrado al mundo en el Irish Tour. De hecho, esos setenta quizás estaba en su mejor momento. En el 76 sacaba calling card y seguía girando continuamente, demostrando que era un virtuoso. 


UFO seguía creciendo con Michael Schenker, a disco por año. Metían teclados y daba igual, su repertorio "strangers in the night" seguia engordando. Aquí arrancaban con natural thing...casi nada.

Queen se sobreponían al exitazo de Bohemian Rhapsody y mantenían el tipo. Con a day at the races y cosas como somebody to love demostraban que podían con todo...por cierto que en esas fechas se encontraron en el estudio nada menos que Sid Vicious y Freddie Mercury. El de los Pistols se puso a vacilar a Freddie y su respuesta estuvo a la altura del personaje "Hacemos lo que podemos, cariño"

en el 76 Ian Hunter sacaba la que es probablemente su mejor canción...

...e Ian Anderson le ponía el eslogan a la situación de todos a los que el punk quería pasar por encima. Too old to rock n roll to young to die. Demostrando que aunque en Jethro Tull todo el mundo parezca veinte años más viejo de lo que es realmente, aún había tela que cortar. No hay más que ver la actuación de arriba.


¡Y se publicaba el mejor disco de guitarras dobladas! Hasta a los punkis les gustaba Phil Lynott (y viceversa) En fin, basta con Esto. Creo que queda claro que no todo fue punk y no todos los demás estaban too old to rock n roll. 

viernes, 15 de enero de 2016

The ditch trilogy: los años "chungos" de Neil Young



He estado leyendo un articulo con entrevistas con él y otros protagonistas que trata sobre la famosa ditch trilogy de Neil Young, tres álbumes setenteros de tono sombrío, concretamente times fade away, tonight´s the night y on the beach. Él mismo los definió así cuando sacó el recopilatorio de decade. Es un período relativamente desconocido de la biografia del Tito Neil, siempre nos centramos más en los comienzos, hasta Harvest, en su vuelta a lo grande con Ragged Glory o en la última década en la que Neil no para. Pues parece que fue una etapa crucial, en la que como mínimo, de no haber "tirao pa lante" Neil Young habría caído en el ostracismo. 

Neil y cía en los "Manson years"
Es curioso que este período negro de su biografía, que va del 72 al 75 aproximadamente, arrancara bastante atrás y que la semilla de todo fuera...Charles Manson. Sí, el mismo que viste y calza...al parecer Neil Young y el tipejo se conocieron en Laurel Canyon, cuando vivía con su comuna en la casa de Dennis Wilson de los Beach  Boys, a través de algunas chicas de la familia, que estaban de muy buen ver, todo hay que decirlo. El caso es que el "amigo" Manson se puso a tocar la guitarra y cantar para él y por la razón que fuera, digamos que Young era joven todavía, le impresionó el aspirante a gurú. Hasta lo recomendó a su compañía de entonces, presentándolo como un nuevo Bob Dylan...aunque era demasiado intenso. Afortunadamente Neil se dio cuenta rápido de que algo no cuadraba y rompió el contacto con la familia, pero los asesinatos de Sharon Tate y compañía le causaron mucha impresión, se dejó llevar por la paranoia que le entró a todo el mundo después de aquello y empezó a comprender que era el fin del sueño hippie, que terminaba una época para él, que precisamente siempre se ha considerado un hippy...

Acabó marchándose de Laurel Canyon, grabó Harvest, se convirtió en un superventas por su cuenta...pero sabía que algo fallaba, en sus propias palabras "algo iba a morir". Tenía problemas en su columna vertebral, Danny Whitten un músico y amigo estaba totalmente colgado por las drogas...fue despedirlo y como todos sabemos falleció enseguida de sobredosis. Para Neil Young fue entrar en una oscuridad total. Habían llegado los años chungos. 




Sacó una película experimental, extraña, journey through the past que fue muy criticada y para compensar tuvo que salir de gira con las canciones que había compuesto para esa banda sonora, aunque estaba hecho polvo. La cosa cristalizaría en times fade away que Neil, tan peculiar él, considera como el peor álbum que ha grabado. No se pararía ahí y metió a su banda a ensayar y experimentar con el material que iría a parar a tonight´s the night, en una atmósfera opresiva, tocando y tocando y aguantando a base de tequila. Antes de sacarlo se lanzaría a una nueva gira que sería aún más caótica, hay que escuchar recordarla a Nils Lofgren, su guitarrista en alguna entrevista para entender lo demencial que fue aquello, con Neil sombrío, negándose a tocar heart of gold, insultando al público y tocando jams interminables..

Neil a punto de tocado y hundido
.la salida del disco se retrasó, la compañía directamente no sea atrevió a  sacar ese artefacto tan depresivo y el canadiense se metió de nuevo a componer. En Malibú, con una dieta a base de marihuana con miel y tequila saldría On the Beach, que casualmente fue el disco que lo salvó de aquella espiral que no iba a ninguna parte.
"Será pringao el tío...se va a poner buenos los zapatos"
 Porque sacó sus demonios, pero reconociendo que estaba mal, sin la furia de tonight´s the night. Hay esperanza (Motion blues, On the beach) quizás por eso es uno de mis favoritos. El caso es que con la gira de CSNY

del que hace poco se sacó el disco en directo y sus nuevas composiciones, dejó atrás esa etapa depresiva y realmente ya nunca ha parado, con su famosa "mala salud de hierro". Y todo curiosamente sacando al mercado su disco más chungo, tonight´s the night. 
...y afortunadamente, el genio volvió a sonreír. 








jueves, 14 de enero de 2016

2016, un año para volver a escuchar a Ronnie Lane


Al menos eso piensa Pete Townshend, amigo y compañero de aventuras del gran Ronnie al que le sorprende que hoy sean pocos los que conozcan al ex faces. Tiene razón. Yo incluso añadiría que lo es incluso en nuestro mundillo, a pesar de contar con fans convencidos, entre los que me incluyo.Pete piensa también y es posible que aquí tenga razón de nuevo, que su mayor aportación al rock fueron los años de Slim Chance, justo después de que los Faces se disolvieran. Paul Weller, Waterboys, Ocean Colour Scene...todos son grupos y artistas que en un momento u otro han tenido ecos de Slim Chance en su sonido. No está nada mal y sin embargo sus tres discos con la banda han estado descatalogados mucho tiempo y aún hoy el debut anymore for anymore, al menos el vinilo original, parece que es difícil de encontrar, fuera de la red, claro. 





 El caso es que este año Townshend, la viuda de Lane y el cantante de Kustchy Rye, una banda inglesa semidesconocida, Des  Horsfall, muy influenciada por Ronnie, tanto que toma el nombre de una de sus canciones antes de que le diagnosticaran esclerosis, han decidido intentar poner fin a ese ostracismo. Van a publicar un disco, the bastard tin, dedicado a su figura y que viene precedida por un tema en el que Pete Townshend pone su guitarra a los textos de Kate Lane en Chameleon, un single de adelanto que se puede escuchar online. Pero la cosa no queda aquí, ya que hay un disco nuevo de Slim Chance y es que la banda, que cuenta con tres miembros que tocaron junto a él en los viejos tiempos se reactivó en el 2010 y vuelve con temas nuevos y alguna versión del añorado músico, como la imprescindible the poacher. Su trabajo se llama on the move. 


Ojalá estos esfuerzos sirvan de algo, por poco que sea y se sepa de un tipo genial y muy querido. Como ha dicho con toda razón un hermano suyo"mientras que se toquen sus canciones, mi hermano no estará muerto, sigue aquí con nosotros"







domingo, 10 de enero de 2016

Meco Monardo es tu hombre... si necesitas una banda sonora


Con el boom de la nueva peli de Star Wars y el revival de la trilogía clásica vuelven cosas curiosas a la mente...como el trabajo de este señor

Que ahí donde lo ven con su nombre de artista italodisco y con sus pintas de político tecnócrata/directivo de un equipo de fútbol chungo, es uno de los gurús de la música disco setentera, fundador de la primera compañía dedicada exclusivamente al disco con el hermano de Jon Bongiovi y padrino de Gloria Gaynor. El amigo Meco (imposible no asociarlo a...Alcalá de Henares) fue un día de 1977 a ver una película recién estrenada, de ciencia ficción sobre la que no había demasiadas esperanzas (cuesta creerlo, pero era así) y evidentemente quedó embelesado con el film de  George Lucas, incluyendo la ya legendaria partitura de John Williams...a la que sin embargo echaba algo en falta. Para Monardo, que se tragó la película por lo menos siete veces consecutivas (puede que fuera el primer friqui de la saga ) a la banda sonora de la Guerra de las Galaxias le faltaba algo...un toque disco. Él era el hombre que podía poner remedio a eso. 

Dicho y hecho, habló con el capo de Casablanca Records, que en esos momentos estaba ganando mucho dinero con Kiss y lo convenció para crear una nueva compañía subsidiaria con la que lanzó, retocando el trabajo de Williams, este artefacto, entre bizarro y genial: 

Que funcionó muy bien. En serio... número uno y disco de platino que fue el invento. Con el éxito hasta se permitió crear una "banda" al estilo Boney M&Village People para salir de gira y aprovechar el tirón
eran otros tiempos
En fin, el éxito es comprensible ¿Cómo resistirse a algo así?

Ahí donde lo ven, Meco Monardo no fue un one hit wonder producto de su tiempo...decidió persistir en su idea de "tunear" bandas sonoras de películas taquilleras y el invento le funcionó unos cuantos años. Ahí está su disco encounters of every kind, fusilando la banda sonora de encuentros en la tercera fase, el del mago de Oz protagonizado por Diana Ross y Michael Jackson donde el inefable Meco se atrevió con el clásico over the rainbow: 




para pasar al tema central de Superman (tenía fijación total con John Williams)
 

Y hasta atreverse con  Star Trek...



Cuando llegó el imperio contraataca volvió a sus "orígenes" firmando un ep adaptando su banda sonora, un disco navideño de Star wars (Christmas in the stars ) y ya como colofón a su carrera en 1983 se permitió sacar, aprovechando el tirón del jedi, sacar un nuevo disco haciendo cantar a los Ewoks a ritmo discotequero ¡Ewok celebration! 



Que se cerraba con el tema principal de...Superman III. En fin, aquí el hombre se retiró, cansado de sobredosis de pistas bailables y se nos hizo broker en Florida, donde ahí sigue...el tiempo le ha dado cierto encanto a estos artefactos, a mí me gusta ese tonillo funky. Si alguna vez necesito una banda sonora, tengo a Meco Monardo en mi agenda ¡Hay que sacar a este hombre de su retiro!

¿Es un pájaro, es un avión...? ¡No, es Meco (Monardo)!


sábado, 9 de enero de 2016

Leslie West, eterno guitarrista de culto






Me parece que le falta cierto reconocimiento a este veterano del blues rock, que sigue en activo contra viento y marea...Leslie West es un tipo que lleva casi cincuenta años en este negocio, debutó con apenas veinte años haciendo una mezcla de rock garajero y soul, que entonces pecaba fuerte, con una banda llamada The Vagrants...


Antes de debutar, como quién dice, en el legendario Woodstock, ya al frente de Mountain, dándole a la audiencia su ración de blues rock, mano a mano con el mítico Pappalardi...qué tiempos en que podías ser gordo, tener los dientes rotos, llevar un chaleco de flecos y que todo eso importara un pito en cuanto empezaba la música...


Mountain dejó un par de discos en la estela de los mejores Cream, una canción conocida por todos, más o menos, Mississippi Queen, un directo en la mejor tradición setentera, el mítico Twin Peaks con una versión de 32 minutos (¡!) de Nantucket Sleighride  y se les puede considerar uno de los grupos pioneros del hard rock y heavy...pero la cosa con West no acaba ahí, ya que finiquitado Mountain montó otro power trío imprescindible, con Corky Laing y Jack Bruce, uno de los músicos a los que más admiraba, West Bruce and Laing, grupo que he mencionado cunando he hablado de Jack Bruce. Por si eso no fuera suficiente, participó junto a the  Who en el disco abortado que luego sería Who´s next...su guitarra suena en las primeras versiones de love ain´t for keeping y nada menos que Won´t get fooled again, podemos escucharlo en las reediciones de la banda...luego estarán los dieciséis discos en solitario que ha firmado...y por supuesto el haberse sobrepuesto a la pérdida parcial de una pierna hace cuatro o cinco años. 




Ahora tiene nuevo disco, editado el año pasado, que se llama soundcheck y que parece ser una mirada atrás cogiendo un poco de aquí y allá en una carrera tan dilatada e incluyendo varias versiones. El disco cuenta con unas cuantas colaboraciones de relumbrón, entre músicos West sí que está bastante respetado: Peter Frampton, Bonnie Bramlett, Brian May y el propio Jack Bruce con el que grabó una nueva versión del clásico de Cream spoonful. Y el tipo sigue con ganas de dar guerra, ya está de gira...desde luego se merece un poco más de admiración de la que ha logrado, al menos entre el gran público. 



viernes, 8 de enero de 2016

Nostalgia "Blindmelonera"


Empezamos 1996 y seguimos recordando a Shannon Hoon...la nostalgia blindmelonera está de actualidad, para felicidad de los cuatro friquis que seguimos recordando a la banda, con cosas de futuro, como un documental que se está montando con cintas caseras grabadas por el propio Shannon, que al parecer dejó mucho material filmado y una gira de veinticinco aniversario de la banda y vigésimo de la salida de Soup, con Travis Warren que ojalá caiga por estos lares...pero también con material ya publicado para el que es buen momento de sacar del cajón o la estantería. Como por ejemplo: 


Nico ya no es ese disco de maquetas o descartes sacado muy deprisa después de la muerte de Shannon Hoon, estos veinte años le han ido dando más valor. Aquí están las canciones de un Hoon en estado de gracia, como compositor y canciones que no entraron en soup, como la propia soup. Si vienes de escuchar ese disco, es inevitable que acabes dándole una nueva escucha a Nico. 





Letters from a porcupine es el complemento audiovisual que acompañó a Nico cuando salió en 1996, con actuaciones en directo del grupo y grabaciones con ellos fuera de la escena, por supuesto coronados por la mítica actuación en el Woodstock 94.




Y por último dos conciertos filmados en la gira de Soup que también salieron de forma simultánea, hace cosa de diez años. El primero en Los Ángeles y el último en Chicago. Por supuesto se disfruta tanto del grupo como de un Shannon tirando de carisma, aunque impresiona verlo a apenas unas semanas de la sobredosis que se lo llevó por delante, consumido y fatigado, pero aún así reinando en escena. 






Un año de reediciones en Rock Candy


Ha pasado el 2015 y a la chita callando el mejor trabajo de reedición, al menos en el AOR (aunque poco ha poco van tocando otros palos) lo esta haciendo Rock Candy desde el Reino Unido. Una muestra de lo que han desempolvado este año del baúl de los recuerdos: 


Mientras Michael Monroe volvía al ruedo, reedición al canto de su debut con Hanoi Rocks, con muchos temas adicionales, casi todos caras B  como éste: 



 Vuelta al Aor más comercial y que mejor funcionaba, precisamente hace treinta años...sí, es el álbum de Kyrie y Broken Wings...aquí vienen como temas extra en directo o en esas míticas versiones extendidas tan ochenteras




Un guitarrista hoy un tanto olvidado, que tenía técnica pero sabía llegar al gran público, al menos al aoriano. Como curiosidades en este disco toca Matt Sorum, futuro gunner y está la primera versión de Cryin que luego popularizaron Vixen





El disco que vino después de ese out of the cellar que puso en el mapa el hair metal. Como molaba la portada, por cierto. No tenía temas como round and round...pero alguno se le quedó cerca. Mickey Rourke o Randy the Ram se ha comprado esta reedición fijo.

 


Grupo hoy olvidado, buen exponente de esa mezcla tan peculiar entre Hard rock y Aor de los primeros ochenta. Como muestra, un botón: 





Esto es lo que más me ha sorprendido: los discos ochenteros de Toto, que se vendieron a lo grande. Que Rosanna o Africa han sido carne de M80 o Kiss Fm. Me ha extrañado que la propia banda no intentara sacarle partido a las reediciones en lugar de Rock Candy, pero así ha sido. En Fahrenheit  y Isolation aparece el malogrado Fergie Frederiksen, una de las buenas voces de siempre del género, ahí están temas como stranger in town, en seventh one Joseph Williams toma el relevo y finalmente en el clásico IV Bobby Kimball. Eso sí, no hay temas extras.


El debut de Enuff z Nuff, uno de los últimos grupos de glam metal, con su conexión power pop. Por supuesto con flying high Michelle reinando por todo lo alto


Ya sabéis, ésta es época de volver a hacer deporte, incluso en serio...y no hay mejor música, así que las reediciones de Rock Candy pueden ser la mejor excusa para empezar...