domingo, 29 de mayo de 2016

25 años sin Tino Casal


Se van a cumplir en septiembre esos veinticinco años desde el accidente que puso fin a su vida y carrera y me parece bien dedicarle un post de homenaje al asturiano. Me va a costar no dejarme llevar en exceso por el cariño, porque Tino Casal pertenece a mi infancia, casi es un personaje como Michael Knight o McGyver, aunque la verdad es que, vista ahora con unos años más, su carrera tiene más luces que sombras. Tanto que no es descabellado decir que fue y es el rey del glam y el tecnopop español. 

Como pudo haber sido alguien muy importante aquí, en la piel de toro, en cualquier otro género que hubiera elegido. Porque me da la impresión de que a Casal le gustaba la música, sin muchas etiquetas y con su voz, que era poco corriente y muy maleable, podría haber cantado lo que quisiera. Además pareció estar siempre donde había que estar, donde se "cocían" las cosas, para observar y aprender...no me voy a detener mucho en esa primera etapa de su vida, pero creo que ya sabéis que a los diecisiete años ya coqueteaba con el pop folk (con las gaitas) en los Archiduques y que estuvo casi toda la década de los setenta viviendo en Londres, intentando encontrar un hueco como pintor, otra de sus pasiones, para vivir la explosión del glam y el punk rock, para aterrizar en España con la democracia, con todo el panorama musical empezando por fin a despertar y crecer. Allí fue descubierto por Luis Cobos (¡!) y estuvo a un tris de convertirse en cantante melódico (algo a lo que también se pudo haber amoldado perfectamente) con temas como ese mítico "emborráchate". Habría tenido gracia ver a Tino compitiendo con Bertín Osborne o Francisco por el trono de la nueva generación de "baladistas" pero ya sabemos que no fue así. En lugar de eso volvió a pintar y siguió estudiando como evolucionaba la música en España, para desembocar en la famosa movida. 

Así fue forjando el personaje que todos conocemos, sin dejar de prestar atención a otros fenómenos paralelos a esa "movida promovida por el ayuntamiento". Ahí lo tenemos produciendo a Obús, nada menos..
Casal y Obús en el estudio
sí,  es Tino Casal el que estaba en la mesa para temas como "prepárate" o "dinero, dinero"...de hecho creo que muchos músicos de heavy de esa época siempre han sentido mucho respeto por el asturiano...por algo será. Pero finalmente se decanta por ese tecno y por un personaje recargado en todos los sentidos, más glam que todos los demás miembros de la escena, a los que sacaba diez años de media. Un personaje que de todas formas nunca fue exactamente el mismo, se puede comprobar con este montaje  para Billy Boy:



 En fin, se inventó ese "neocasal" como llamó al primer disco que publicó en 1981...y aquí nos metemos ya en el plano musical. Voy a prescindir de embrujada y Eloíse, en la medida de lo posible y mencionar canciones menos conocidas, así quizás se vea mejor su talento como músico. Por ejemplo, en ese primer Neocasal, más frívolo nos encontramos una fantástica versión de Bowie, como no, un life on Mars (y en esa fecha hubiera sido más fácil decantarse por Heroes) Qué curioso que dos de las mejores versiones de Bowie que he escuchado se hayan hecho aquí: ésta y la de Five Years de Tahúres Zurdos: 


De ahí vamos a pasar a Etiqueta Negra, uno de sus mejores trabajos, en los que perfecciona y mucho su sonido. Es el disco de embrujada, un tema ya mítico en el que Casal además aportó uno de los mejores y más curiosos videoclips, algo todavía en pañales, que se han hecho en España, que en su momento y no me extraña lo más mínimo,causó sensación: 


Pero también nos encontramos a un Tino Casal mucho más íntimo y arriesgado, por ejemplo aquí: 


A Etiqueta Negra le siguió Hielo Rojo, la prueba de que seguía en estado de gracia y creciendo. Aparte del éxito de pánico en el Edén, sintonía de la vuelta a España (quién iba a decir que Tino Casal pegaría con Marino Lejarreta o Anselmo Fuerte, pero la cosa funcionó) Hielo Rojo contenía uno de sus temas más sencillos y emotivos: 



junto a otros que eran dance y del bueno, con declaración de principios y todo y un Casal dándole una nueva vuelta de tuerca al personaje con un aspecto que todavía hoy sorprende: 


Todo esto sin descuidar esa faceta más intimista que ya habíamos descubierto en Etiqueta Negra:


Tino Casal en 1985
Algo poco conocido de su biografía, que también dice mucho del personaje y de lo que le importaba su compromiso con la música, es que estuvo a un tris de morirse a mediados de los ochenta, cuando en la gira de Hiejo Rojo no quiso parar por un esguince para no dejar tirados a sus músicos y acabó desarrollando una necrosis que que lo dejó al borde de la muerte, con extremaunción incluida.
Chismorreos del momento
 Tino se recuperó con mucha paciencia y en 1987 volvió con Lágrimas de cocodrilo. El disco de Eloise...al grabarse en Londres el asturiano pudo escuchar como esa canción de los sesenta volvía a la actualidad gracias a the Damned y se propuso versionarla en castellano, a lo grande, con filarmónica y voces grabadas compulsivamente durante semanas. El resultado lo conocemos todos. Para mí es la mejor versión que existe, en castellano seguro, más que el original...y que la primera versión del original: 



Aunque aparte de Eloíse hay temas en lágrimas de cocodrilo también a tener en cuenta: 
Finalmente llegaría Histeria en 1989, cerrando una década y sin saberlo una carrera. Quizás sea su disco más flojo, con él de nuevo volcado a la pintura y la escultura, pero aún así contiene por ejemplo alguna versión más que curiosa: 


Y como todos sabemos la carretera se lo llevó un septiembre de 1991, cuando ya estaba proyectando volver a lo grande, con disco a grabar en Japón en el que intentaría adaptarse a los noventa. Quién sabe qué hubiera pasado si no hubiera tenido ese accidente. Yo creo que le habría costado esa adaptación, que habría tenido que tomarse una larga pausa pero que habría vuelto pronto, con la fiebre de revival de la movida, que empezó enseguida y que se habría mantenido en el candelero, como le hubiera dado la gana, aunque igual ahora estaría haciendo el mismo papelón que algunas viejas glorias hispanas de los ochenta, que se han vuelto "conservadores liberales" y se pasan el día la billetera agitando...quién sabe, sí. El caso es que se convirtió en mito, algo que quizás le guste, esté donde esté, porque lo suyo, por lo que recuerdan muchos de los que convivieron con él en los días de gloria, era disfrutar haciendo disfrutar, con su música, más allá del personaje, de ser reina de la noche y todo eso. Y eso, al menos conmigo, lo ha conseguido. 








sábado, 28 de mayo de 2016

Labyrinth: Cuando la interpretación y la música de Bowie se dieron la mano




Cuando se nos marchó Bowie una de las primeras noticias de la "rapiña" que suele venir después de que se marche alguien tan grande, fue que se activaba el proyecto de la secuela de dentro del laberinto o labyrinth, porque David Bowie ya no podía ser un obstáculo. Supongo que el duque blanco no vería con buenos ojos esa secuela, que será si se lleva a cabo un "cagarro" como muchos otros "revivals" de una industria, la del cine que corre como pollo sin cabeza y habría torpedeado el proyecto en la medida de lo posible. En fin, qué les den pomada...lo importante es que me recordaron la película original, que por cierto cumple el treinta aniversario este año. El universo Jim Henson, Jennifer Connelly de adolescente, David Bowie por supuesto haciendo de malo con pelucón y mallas fardahuevos (solamente Bowie podía salir airoso de esas pintas) ...y sus canciones. Porque dentro del laberinto es una película en la que no solamente actuó sino que se implicó además en la banda sonora, algo que no había hecho hasta entonces, más que en absolute beginners,por más que en dentro del laberinto no hubiera un temazo como esa canción.


Sí, David Bowie se implicó mucho en la película, añadiendo canciones a la banda sonora original de Trevor Jones, tanto que publicaría un álbum con las canciones acompañadas del score instrumental. Qué curioso porque llegó al papel de Jareth de rebote, ya que la idea original era que lo hiciera Michael Jackson y a punto estuvo de interpretarlo Sting, que era el elegido al principio por el propio Henson. Afortunadamente Bowie fue el elegido y aportó cinco canciones que quizás no sean de lo mejor de su carrera (él mismo consideraba que esa época fue su punto más bajo como músico) pero que no están nada mal, mereciéndose salir un poco del ostracismo. Incluso grabó dos clips con temas de la banda sonora y la estética de la película, as the world falls down (el tema del baile en la película) y  Underground, un clip muy curioso, ochentero en su mejor expresión, con esas animaciones tan de la época: 




En fin, cuando vuelvan a pasar la peli, aparte de disfrutar de todo lo demás (pelucón incluido) no estaría mal escuchar con un poco más de atención las canciones y disfrutar que David Bowie hizo dos de las cosas que más le gustaban en una película. De esa supuesta secuela, por supuesto, mejor ni hablamos. 




viernes, 27 de mayo de 2016

The Cars, los años en Elektra: 1978-1987



The Cars son el grupo de powerpop que más me gusta y seguramente sea también el que más éxito ha tenido. Probablemente también sea el mejor grupo que haya existido en este subgénero, ya sabéis que es cosa de interpretaciones...ahí están también esos Romantics con esas permanentes de infarto...


El caso es que The Cars entendieron muy bien qué era ese power pop de temas cortos, pegadizos pero de nivel, de guitarras con melodía, armonías vocales...lo tenían todo, con dos líderes diferentes que se complementaban a la perfección,el bajista Ben Orr, el terror de las nenas y Ric Ocasek, otro terror para las nenas pero por el otro lado, un feo con talento (probablemente sea el ser humano que más parece un dibujo animado) una buena sección rítmica...y lo mejor de todo es que lo aprovecharon. Estuvieron a pleno rendimiento casi una década, publicando seis discos que ahora aparecen en la compilación que parece definitiva (ya hay otra de no hace mucho) ya que es una box set remasterizada que ha contado con la dirección del propio Ocasek .Si no os habéis metido antes a fondo en su música (algo que no me extraña, porque nos falta disfrutar más de power pop sin complejos, desde luego My Sharona ha hecho mucho daño) ésta es vuestra boxset:  os saldrán no pocas joyas:aquí unas cuantas 





Un tema que ha servido de inspiración a un montón de bandas del género.




Uno de los mejores temas con sintetizadores


Un tema infeccioso de verdad, ochentero a más no poder en el mejor sentido del término. Mutt Lange era el productor y no había mejor banda que the Cars para que les inculcara su sonido



Y por supuesto el tema. La verdad es que el debut de los Cars es espectacular y just what I needed es el tema estrella. La voz de Orr, riffs, un solo, un puente genial...magnífica. 

Realmente esta banda lo tuvo...


jueves, 26 de mayo de 2016

Mick Ralphs


Mick Ralphs debe ser uno de los guitarristas menos valorados como guitarrista, por la razón que sea. Supongo que por tener un perfil discreto y haber trabajado con frontmen de talento, de los que toman el escenario, con Paul Rodgers en cabeza, claro. Pero por supuesto que el amigo Ralphs también tiene su pedigrí. 

Primero como miembro fundador de Mott The Hoople,  Mick Ralphs estuvo desde que eran mods y se llamaban Doc Thomas Group (por cierto que ahí él o Dave Griffin ya apuntaban maneras)

hasta el final. Y después, por supuesto en Bad Company, que recordemos que tenía hechuras de supergrupo, en el que uno de sus temas que conocemos todos lleva su firma en exclusiva: 

De hecho es el miembro del grupo que más ha creído en la idea de la compañía, siguiendo hasta el fin del grupo en 1982 y luego montando una nueva versión sin Rodgers, más enfocada al rock melódico e incluso el aor, que por supuesto los fans más puretas no soportan, pero que tiene su punto, gracias en parte a la guitarra de Ralphs: 


Y siempre girando sin parar, pese a que tiene miedo a volar en avión...lo que tampoco ha impedido que "a la vejez viruelas" haya vuelto en los "comebacks" de BC y the Hoople...


Su carrera en solitario es más discreta, por supuesto, un par de álbumes, uno de ellos instrumental, muy espaciados en el tiempo, pero también se ha animado a montar un proyecto de blues, algo que les priva a todos los músicos de su generación que siguen en activo, llamado the Mick Ralphs blues band, que le permite tomar más protagonismo, al fin y al cabo el grupo lleva su nombre y él es el reclamo...que también tiene disco en el mercado, así que es la ocasión perfecta tanto para descubrirlo como guitarrista como para disfrutarlo, sin Paul Rodgers o Ian Hunter que le hagan "sombra":




domingo, 22 de mayo de 2016

las diversas caras de Terry Reid siempre llevan a "River"...y ahora a "other side of the river"

Hay que tener clase hasta para ir con pintas de despedida de soltero

Terry Reid es uno de los cantantes más talentosos de "culto"...eso sino es el primero.Famoso siempre por haberle dicho que no a Page para ser la voz de Led Zeppelin y recomendar a Robert Plant para el puesto, Reid, dentro de un perfil bajo que más o menos ha elegido él mismo ha desarrollado una carrera larga lejos de los focos enfocándola de diversas maneras y siempre saliendo bien parado: su carrera en solitario, músico de sesión  y dándole un nuevo enfoque a viejo temas en versiones. 

De éstas últimas hay dos muy buenos ejemplos: 


Como músico de sesión su voz es una garantía y en ella se han apoyado Don Henley, Jackson Browne, Bonnie Raitt y hasta Joe Perry, este mismo año: 


La verdad es que Terry Reid es un cantante que siempre ha gozado de mucho predicamento en su gremio. No solo Page quiso ficharlo, sino que Deep Purple estuvo a un tris de incorporarlo no mucho después para reemplazar a Evans antes de que llegara Gillan y Cheap Trick, Reo Speedwagon o John Mellencamp han grabado temas suyos


Lo que nos lleva a esa última faceta, la carrera en solitario, que siempre lleva a su disco River, una pequeña joya en la que Reid se pone  a competir en vena soul y acústica con el mismísimo Van Morrison. El tiempo y la costumbre de nuevas generaciones de recuperar a esos músicos de culto ha rescatado a Terry Reid, igual que ha pasado con Rodríguez, Bill Fay...lo que permitió en su momento una reedición de River y que se publique ahora un disco de versiones alternativas, temas no publicados, ensayos...interesante para completistas, por tanto en la que podemos escuchar a una voz excepcional metiéndose en terrenos como el funky, la samba (recordemos que en los setenta hubo cierto boom brasileiro con Gilberto Gil o Caetano Veloso) aparte del soul y el blues de rigor, Si lo vuestro son los discos de culto de artistas de culto, con talento, tenéis que echarle un ojo a the other side of the river




sábado, 21 de mayo de 2016

Las otras canciones complejas de Queen en los setenta: más allá de Bohemian Rhapsody


Queen in the seventies: hasta el infinito y más allá


Ya sabemos que Queen en los setenta (también más allá) era capaz de todo, tocando en sus discos de estudio una variedad increíble de palos, saliendo bien parados además, hasta Hot Space no se dieron una "mini castaña" y uno de esos palos son los temas complejos, "barrocos" si queremos llamarlos así, de los que por supuesto Bohemian Rhapsody es su mejor representante. Pero no el único. 


Roy Thomas Baker, el productor de esos primeros discos setenteros de la banda, es el que ha dado en el clavo con la definición de qué querían y qué consiguieron los Queen en esos años con esas canciones más elaboradas: romper moldes, experimentar con las armonías, ya fueran vocales o de guitarra y estar en vanguardia del sonido, independientemente del dinero y lo consiguieron, antes "durante" y después de la rapsodia bohemia. Aunque con el éxito de ésta, que el día menos pensado se convierte en himno de Inglaterra estas canciones hayan pasado desapercibidas o somos pocos los que las reivindicamos: 




No solamente eran capaces de meterse en el dominio de la épica y salir airosos del trance sino que ya en su segundo disco experimentaban con los delays, las cintas al revés y las capas de guitarras...

Y lo coronaban con un tema como éste, que lo tiene todo: intro arriesgada, pianos experimentales, coros que apabullan, duelo de voces  Mercury/Taylor...en realidad todo este Queen II tiene una complejidad que lo hace muy grande, podemos llamarlo perfectamente disco de culto. 


Hay pocos guitarristas que puedan decir que tienen un sonido propio, inventado por ellos y Brian May es uno de ellos, red special de por medio. En Brighton rock lo demostró más que nunca, con una larga parte instrumental que no aburre precisamente, dejando tiempo para efectos de sonido en la intro y una pequeña exhibición de Freddie en falsete


Y en el mismo a night at the Opera llevaron aún más allá que en Bohemian Rhapsody la experimentación con las voces


Y ya en a day at the races, fueron capaces de marcarse un hard rock como éste, elaborado a más no poder...desde luego en esos años rompieron con los moldes. Y no hemos hablado de Bohemian Rhapsody... 


viernes, 20 de mayo de 2016

Algunos discos de Graham Nash


Quizás es un buen momento para, aprovechando su vuelta con tanta energía con this path tonight, echar un vistazo a la discografía del ex Hollies y ex de CSNY CSN, Crosby and Nash...dejando de lado algún disco sí conocido por el gran público como los dos primeros del supergrupo y su trabajo en solitario song for beginners. 


Este trabajo de the Hollies es la primera prueba de que Nash iba a ser mejor compositor de lo que ya era, en un momento en el que el álbum empezaba a ser importante como tal y no un mero recipiente para canciones. Graham Nash aporta temas como Maker, en los que incluso se atreve con la psicodelia y el sitar o butterfly, en la que se empieza a intuir que el tipo va a ser un verdadero orfebre del pop



La continuación del famoso songs for beginners en un momento en el que de CSN era sin duda el músico más en forma. Él había apostado más que nadie por el proyecto, compuesto temas como Marrakech express o our house y firmado un disco como songs for beginners en el que se había destapado en solitario y recogido parabienes. Este wild tales es una continuación lógica, algo olvidado por la fama del precedente. De horrorosa portada, Nash parece un miembro de Pentagram, sigue componiendo temas políticos como prison song y ya empieza a grabar cortes de tipo más intimista, como another sleep song, que tanto se disfrutan en this path tonight 




Aquí tenemos a Nash entrando en los ochenta y retomando su carrera en solitario al alimón. Nada que no se haya escuchado antes, lo que no quita para que esté muy bien. Ahí están magical child o barrel of pain para demostrar que Nash no había perdido el olfato




El penúltimo disco del de Blackpool es un disco que por acústico es totalmente "vintage"  para salir en el 2002, en el que se atreve a traer hechos del pasado en dirty little secret, temas sencillos marca de la casa como I´ll be there for you, ironía tirando solo de acústica en nothing in the world y muescas de rock californiano de los setenta como Chelsea Hotel. No es this path tonight, pero prueba que Graham Nash, con mayor o menor fortuna siempre ha rayado a buen nivel. 


jueves, 19 de mayo de 2016

Algunas sorpresas que podrían caer en la gira de Neil Young



El tío Neil puede estar reservándoos algunas sorpresas para los conciertos de Barcelona y Madrid (yo, sintiéndolo mucho paso este año de festivales costrosos como el Mad Cool y en Barcelona ya lo vi hace tiempo) Ya sabéis como es este hombre, que puede salir por donde le de la gana y quedarse tan pancho, incluso pasar olímpicamente del disco que presenta, no sería la primera vez. Las buenas noticias son que, al menos en los conciertos del año pasado con promise of the Real, Neil Young ha sacado del baúl de los recuerdos una serie de canciones que llevaban mucho tiempo sin aparecer en sus conciertos. Sesenta y pico canciones distintas tocó en la gira del 2015...y claro, aún así siempre se quedaran cosas en el tintero...en fin, algunas sorpresas que nos ha dado han sido: 


Desde los tiempos de Zuma, el disco en el que está looking for a love, llevaba sin tocarla, salvo en contadas ocasiones...



Algo parecido. Uno de los temas de su matador directo "fantasma" del 73 vuelve a aparecer en un concierto suyo, cuarenta y pico años después... 


White line es una de las canciones de Ragged glory que menos ha tocado, siendo un disco del que suele echar mano en conciertos...pues aquí la tenemos de nuevo. 


Una canción, qué raro, "olvidada" de Harvest...tal vez Neil se ha conformado conque aparezca un tema parecido como southern man en sus giras...pero el año pasado también la rescató de la "cosecha" 


Sleep with angels es, ya lo conté en su día, uno de los discos más valiosos y menos conocidos de su carrera, casi sin presencia en directo. Afortunadamente parece que Neil Young  al fin le da cancha


Y finalmente un tema de los primeros años, que no es winterlong o the loner...

En fin, que los que conocéis la carrera al dedillo del canadiense tenéis que estar al quite, que os llevaréis una sorpresa casi por seguro. Aunque lo mismo también acabáis hasta el gorro de Mosanto o se nos arranca con una versión de treinta minutos de cowgirl in the sand, nunca se sabe con el tito Neil. Lo bueno es que sigue con las pilas cargadas...

ostras ¿y un dueto con su "primo" Bertín? ¡Cada vez se parecen más! 

Un documental para Lee Aaron..¡ya!



Lee Aaron es una cantante canadiense que se merece un documental al estilo de sus compatriotas, Anvil. Incluso durante un tiempo compartieron compañía de discos y se movieron en el mismo estilo, un heavy que podíamos llamar "metal on metal" como el tema de los segundos, aunque lo que une a ambos y podía ser el hilo del documental de la señorita Aaron igual que lo fue el de Lips y cía es la testarudez por seguir en la brecha, pese a quién pese y a lo que pese, aunque Lee Aaron haya apostado por el cambio de "camisa" según llegaran las modas, con más o menos fortuna, aunque siempre dejando la sensación, al menos a mí me la deja, de que de donde no hay no se puede sacar más, ya me entendéis. 

Pero veamos con detalle la curiosa carrera de la dama. Lleva en la brecha desde su adolescencia, desde los tiempos del instituto o high school, allá por los primeros ochenta en los que ya tocaba en un grupo que se llamaba, original, Lee Aaron y digo tocaba porque aparte de cantar, tocaba el saxo y los teclados. En 1982 publicó su debut the Lee Aaron Project, que logró cierta repercusión, llevándola incluso al festival de Reading, con un estilo totalmente influenciado por Pat Benatar: 



Esa línea no duraría mucho, porque Lee se pasó enseguida al heavy ochentero más clásico, el de espadas y dragones, no sé si pensando que arrasaría con un nicho de mercado en el que no había competencia femenina, en el que podría convertirse por tanto en el sueño (húmedo, claro) de jevis del mundo entero. Para eso hasta salió en bolas en una revista y todo...aunque luego ha dicho que esa portada dañó su reputación como músico. El caso es que grabó Metal Queen, un disco con todos los clichés de la época, añadiendo su sex appeal, que aguanta regular el paso del tiempo: 

En lugar de pecho lobo...abrigo de piel de lobo


Y dejó para la posteridad un vídeo en directo, live from London, famoso...(y ojo que no lo digo yo) porque en el concierto debajo de las mallas de Lee no hay nada y digamos que eso se nota perfectamente. Yo no lo he comprobado...


las "famosas" mallas...
En fin, Con Metal Queen no llegó a la primera división del heavy, desde luego y a finales de la década se pasó con  armas y bagaje al hard rock comercial, el angelino, tirando de sex appeal (que hay que reconocer que la canadiense  tiene) 



"Medias de rejilla days..."

Aquí si que tuvo más éxito, aunque nunca pegó realmente fuerte más allá de su Canadá natal, pero le llegó relativamente en el peor momento, con el cambio de década y tendencia. Lee Aaron no se pasó al Grunge, de hecho seguía con el hard rock "picarón" allá por 1991, aderezado con una alguna balada con exceso de azúcar:


Pero a mediados de la década, con el boom alternativo, con muchas voces alternativas, también se subió a ese carro, olvidándose de Metal Queen y hasta de su nombre a lo Prince, con un proyecto llamado 2preciious, que sonaba por los cuatro costados a Alanis Morrisette, Cranberries o Cardigans: 


Y ahora...Teñido pelirrojo noventero
Tuvo buenas críticas y pocas ventas...y en una nueva vuelta de tuerca, aunque parezca mentira, antes de terminar los noventa ¡se nos pasó al jazz! y encontró su público llegando a tocar en numerosos festivales. Me pregunto que pensarían los trompeteros más puristas al descubrir en el pasado de la Aaron ese metal queen o ese watcha do to my body...

Pero ojo que hay más ¡Lee Aaron también ha hecho ópera! Durante un año formó parte de una compañía, la Modern baroque Opera...son increíbles los virajes de esta mujer. Hace una década decidió darse un respiro, por fin, para ser madre y centrarse en sus hijos, pero con la nostalgia ochentera, la de los Sweden Rocks y esas cosas, ha vuelto poco a poco al ruedo y este año anuncia nuevo disco, fire and Gasoline...que parece un compendio de todos los palos por los que se ha ido moviendo durante décadas...por lo menos los rockeros. 

En fin, como veis material para un documental extenso hay...a ver si alguien recoge el guante. 


domingo, 15 de mayo de 2016

Jerry Lee Lewis: dando lecciones en los ochenta




Los cincuenta se ponen patacas de los ochenta

Lo que mola mucho de los pioneros del rock, entre otras muchas cosas, es la increíble maestría que tienen a la hora de dar un concierto, ganada con mucho trabajo y perfeccionada con mucha "mili" puesta a disposición de todos, para que aprendamos. Elvis, Little Richard, Chuck Berry y Jerry Lee Lewis, que tiene algo especial. Cuando lo ves en acción sabes que nunca te vas a aburrir en un concierto suyo (no aburrir debería ser una norma obligatoria en el rock porque desgraciadamente hay un montón de músicos que se saltan la norma a la torera) y que por muy improvisado que parezca, hay mucho esfuerzo y trabajo invertido por parte de "The Killer", desde que empezó a principios de los cincuenta en el circuito de clubs del Mississippi. 

Y visualmente los ochenta es la década donde podemos verle en acción y apreciar su arte, igual que en los cincuenta llegaron las canciones inolvidables y en los sesenta los discos en directo emblemáticos, con el live at the Star Club en Hamburg a la cabeza. Durante esos años Jerry Lee Lewis estaba todavía en buena forma, tenía en torno a cincuenta años, por más que fueran los cincuenta de "antes" y ya era reconocido como una leyenda del rock n roll, todavía había fiebre "fifties", los ecos de American Graffitti aún coleaban y hay bastante material visual, que podemos disfrutar en youtube: 



Ahí lo tenemos en acción y en el punto justo de madurez, cuando estás de vuelta pero no del todo y es una gozada, aunque esos años no gocen de mucho predicamento entre fans y "rockers" de línea dura. Hablamos de alguien que demostró que el piano podía ser fundamental en el rock y que podía ser algo incendiario en directo, haciendo que la gente se volviera loca con los repasos a todas las teclas, tocar con el codo, con los pies, levantado, hacer un mutis por el forro o hasta tocarlo con el culo, si hace falta..."trucos" que siempre funcionan y se disfrutan...y nadie lo hizo mejor que Jerry Lee Lewis esos años ¡Hay que tomar nota!

¡Equilibrando el cubata! Qué grande

sábado, 14 de mayo de 2016

Robin Zander y Tom Peterson (los "guapos" de Cheap Trick) recuerdan los días del Budokan


Al hablar el otro día de lo variados que son Cheap Trick en estudio volvió a aparecer de refilón el mítico directo del Budokan...del que ya se ha dicho casi todo. Salvo quizás escuchar a los protagonistas, a la banda, a como recuerdan vivirlo desde dentro, que tiene su miga. Así que les "cedo" la palabra: 

Tom Petersson: 

"Habíamos grabado tres discos para una gran compañía y habíamos tenido buena prensa y críticas, pero ninguno de esos tres discos había vendido mucho:Teníamos algo así como "popularidad regional" en Buffalo o San Diego, pero tocábamos en clubs pequeños. El público no sabía qué pensar de nosotros, éramos raros...para nosotros era simplemente ser nosotros, ser naturales, lo que les gustaba a los japoneses" 

humor...hasta en la prensa



"La prensa musical japonesa había venido a nuestros conciertos y allí empezó a echar a rodar todo. Empezamos a recibir toda clase de material divertido sobre la banda desde allí, como dibujos, nos veían como personajes de dibujos animados y también les gustaba la música. Así que fuimos a Japón" 

Al principio Epic quería que hiciéramos un documental para televisión, así que filmaron algunos conciertos y finalmente dijeron que les gustaría editar un disco en directo. Dijimos que sí, que claro aunque a Robin y a mí no nos gustaba la foto de portada. Parecíamos enanos enseñando los dientes y sin cuello...Nuestro mánager nos dijo que no os preocupáramos, que nadie fuera de Japón lo vería. Probablemente con el Budokan evitamos que Epic nos despidiera, aunque luego tuvimos que dar ruedas de prensa en restaurantes japoneses durante un año"

Robin Zander:

"A los japoneses les encanta convertir a músicos y actores en personajes de cómic. Lo habían hecho con Kiss y Queen y también con nosotros, que eramos sus hermanos pequeños.Sabíamos que la gente vendría a vernos en los conciertos de Tokio pero...cuando salíamos del avión vimos un follón en el tejado del aeropuerto y pensamos que estaba allí el presidente, algo así. Bajamos y había cinco mil personas esperándonos, gritando nuestros nombres. Tuvimos una cola de cincuenta coches siguiéndonos por la autopista  y en el hotel nos cerraron las ventanas con cinta aislante y había personal de seguridad en cada salida. Fue excitante, pero también peligroso"

"Para el primer concierto en el Budokan nos mandaron furgones de correos para recogernos, sin ventanas ni asientos. Éramos el primer concierto que se hacía desde que unos fans habían muerto aplastados en los conciertos de Deep Purple años atrás por eso la seguridad fue muy estricta. Los conciertos en Japón son temprano, así que fue como tocar de día. Al público se le permitía gritar y aplaudir solo a veces, entre canciones...mientras tocábamos se quedaban completamente quietos."

"Por Japón viajamos en tren de alta velocidad, pero el caos también estaba en las estaciones.Se nos echaban encima para mirarnos o sacarnos una foto y tenían que sacarnos literalmente en volandas. Una chica intentó cortarme el pelo con unas tijeras y me cortó en el cuello, otra me rasgó la chaqueta, los de seguridad intentaban apartar a la gente con porras...Un caos. Rick y Carlos sufrieron lo mismo, todos querían coger la gorra de Rick o las gafas de Bum.Todo el mundo tenía guardaespaldas, incluyendo nuestros roadies y el mánager de la gira...Fue como un sueño hecho realidad y un tanto pesadilla al mismo tiempo. Pero fue inolvidable, uno de los acontecimientos de mi vida" 

"¿Tú también eres un sex symbol en Japón, Rick? ¡La leche!"




viernes, 13 de mayo de 2016

hear ´n´ aid estilismos: protección contra hispters




Mira que ha pasado desapercibido el aniversario de una de las reuniones más míticas de heavy y hard rock. Tal vez porque el tema era un tanto "excesivo"... una verdadera lucha de gorgoritos y corridas por el mástil que con el paso del tiempo parece algo pasado de rosca pero oiga, en el vídeo de Stars quedó plasmado un momento único del hard rock ochentero, cuando éste era cosa de hombres. De los de verdad, de los de antes, tanto que en el visionado casi se puede sentir la mezcla del aroma a varón Dandy y cigarrillos ducados (Sí, incluyo a Halford, que su rollo club de la ostra azul otra cosa no tendrá, pero testosterona sí)

Hay que ser muy hombre para bailar el bimbó...
con otro hombre
Y no hablemos ya de los ropajes y demás accesorios, algo digno de verse, analizarse y recuperar antes de que los hispter, en su largo viaje hacia ninguna parte se apoderen de algunos atributos de ese hard rock ochentero. Sí, hablo en serio: Fijaos que hasta que iniciaron el revival, el último que puso las barbas de moda fue Kenny Loggings !

Pero antes de meternos en harina, disfrutemos una vez más del vídeo de stars con ese "who is who" que nos permite de paso recordar a grandes músicos que ya no están con nosotros: 


Y ya, sin más dilación, empezamos

La camiseta de tirantes: Rob Halford 



Empezamos bien. Ajustada, en negro para ir a juego con el cueraco y los pinchos y enseñando pecho lobo. De hecho se enseña todo el pecho lobo, hasta las tetillas se ven ahí. Hay que tener mucho nivel para lucirla así. Como Halford, claro.

Las antiparras: Eric Bloom (Blue Oyster Cult)

¡Calva y bigote incluidos!


Hay más gafas por el vídeo, se supone que para ocultar los estragos de acudir a las sesiones de grabación de empalmada, pero las más estilosas, las que solamente se pueden llamar antiparras y no precisamente con tono despectivo, son las de Bloom. De concha, ahumadas, tanto que parece que no le hayas quitado el polvo y grandes. Para hacer una bajada hasta el puente de la nariz e intimidar. Ou yeah 

El sombrero vaquero: Paul Shortino (Rough Cutt, entonces)

Por supuesto. Pega perfectamente con la melena rizada y hace parecer más alto

La chaqueta remangada: Kevin Dubrow (Quiet Riot) y Geoff Tate


Clásico ochentero, sobre todo si se mezcla sin ninguna fortuna los colores, como el malogrado Dubrow poniéndose además en primera fila para manejar el cotarro. Aunque también se puede apostar por un blanco inmaculado, totalmente sonycrockeano. Por cierto que ahora que hablamos del ex de Queensryche es momento de mencionar:

La permanente:


Debería escribir algo "ingenioso" aquí pero no soy capaz, esa permanente es demasié

El feo sin complejos: Carlos Cavazo (Quiet Riot)


Claro que sí hombre, ser feo es en sí mismo un tipo de estilismo y hay que saber lucirse con savoir faire y simpatía, como el amigo Carlos aquí entre solo y solo.

El Mullet: Donald "Duck Dharma" Roeser (Blue Oyster Cult)
Mullet at 86

El mullet es algo inherente al ochentismo, pero como estamos hablando de hard y heavy, ganan más las melenas, bien trabajadas al champú de huevo. Solamente el guitarrista y voz de BOC lo luce, con cierta discreción, como corresponde al personaje, pero ciñéndose al reglamento: bien corto por el flequillo y largo por detrás.

En fin, hasta aquí llegamos. Como veis hay que declarar patrimonio "rockero" todos estos estilismos, junto a otros que aparecen más de refilón, como el bigotón que luce alguno del coro antes que nos lo quiten esos impresentables. We´re stars!!!









domingo, 8 de mayo de 2016

Los Air Studios de Montserrat




Con el fallecimiento de George Martin ha vuelto a aparecer el recuerdo de los Air Studios de la isla de Montserrat, uno mítico, aunque quizás no tanto por la lejanía de la isla caribeña, aunque ya ha salido alguna vez por aquí al hablar de Police o Dire Straits. 

No es un dato muy conocido, pero Martin dejó EMI nada menos que en 1965, aunque evidentemente siguió siendo el productor de los fab four y trabajando con ellos en Abbey Road. Pero ya libre, quiso poner en práctica sus ideas en un estudio propio y fundó los Air studios, en Londres pero mediados los setenta se enamoró de la isla caribeña de Montserrat y allí que fundó la segunda parte del proyecto, el que pasaría, aunque de pasada, a la historia. 

George Martin consiguió que ese estudio fuera un lugar especial, prácticamente su nuevo hogar. Midge Ure, de Ultravox lo recuerda como un sitio casi glamuroso, en un lugar único, paradisíaco y al mismo tiempo gracias a los esfuerzos del productor, curiosamente muy británico. 


Los autores de Vienna se unen a Cheap Trick, UFO, Police McCartney en su reencuentro con el productor, Dire Straits...no está nada mal. Debía ser un sitio especial y apreciado por los músicos porque, lujos caribeños aparte, era un estudio alejado de todo el microcosmos en que se movían unos artistas en la cresta de la ola en el que se aislaban y se concentraban en la música, simplemente, según el enfoque que quisieran darle. Ya comenté que algo del lugar se quedó impregnado en los surcos de  discos tan importantes como Ghost in the machine, Synchronicity o Brothers in arms y en canciones como invisible sun, wrapped around your finger o brothers in arms. Incluso Sting y cía grabaron un clip, el de every little thing she does is magic allí, 
aunque no deja de ser curioso que el primer disco grabado en la isla es uno menos conocido: Volcano (hay uno inactivo en la isla) de Jimmy Buffet en el que se notan los aspectos "caribeños"



Otro disco importante grabado en Montserrat fue steel wheels, el retorno por la puerta grande de los Stones. A Keith Richards acabó por gustarle tanto como Jamaica. Tenía un gran bar, un gran restaurante con un gran cocinero y el estudio tenía su punto...era el mejor sitio para vivir en la isla. Y encima sin sobredosis de Reggae. 



Desgraciadamente el final de los estudios llegó poco después, de forma abrupta y dramática. Un huracán devastó la isla en 1989, arrasando el estudio y obligando a Martin a volver a trabajar al Reino Unido, a Hampstead donde sigue funcionando aunque el productor no se olvidó de la isla, organizando conciertos benéficos, sobre todo el de 1997, después de que el volcán de la isla entrara en erupción, tratando de ayudar a los sufridos isleños que incluso fueron evacuados. Hoy está en ruinas, en una parte inhabitable de la isla. Triste final para uno de los "templos" más exóticos del rock. 





sábado, 7 de mayo de 2016

Canciones "malditas" sin merecerlo



Casi debería ser un (sub)género: canciones que lo tienen crudo para aparecer en directo, tener difusión o vida propia principalmente por su relación con su creador/creadores y que no tienen una historia "complicada" (al estilo Helter Skelter, que por cierto McCartney ha recuperado para sus directos) Vamos, qué podrían decir cuál película almodovariana o canción petshopboyana eso de "¿Qué he hecho yo para merecer esto"? Y encima tendrían razón. 

Se me ocurren a bote pronto estos ejemplos: 



Cualquiera de esta banda irlandesa, qué llego a publicar cuatro discos en los noventa, antes de desparecer y que Bap Kennedy, empezara una carrera en solitario en la que se ha desmarcado de ese pasado. Rara vez aparece un tema del grupo en sus conciertos, salvo la versión que hicieron de Madame George de Van Morrison. Algo que además irá a más, porque su carrera en solitario está más que asentada y no para de crecer. Así que solamente nos queda el material de la banda para disfrutar en plan nostálgico. 






 Se podría aplicar la fórmula a cualquier tema de Ceremony, con heart of soul a la cabeza. Ni Astbury ni Duffy deben guardar buen recuerdo del disco, que les dio bastantes quebraderos de cabeza, con demandas del niño de portada, un Ian Astbury en serios problemas con la droga y la relación entre los dos líderes del culto más tensa que nunca, tanto que se separaron en un par de temporadas. Así que no es raro que se salten el disco en sus conciertos actuales. Hasta el polémico disco de la cabra ha tenido más presencia en los setlist. 



Con eso de que los Mac de Peter Green son "una cosa" y los de Buckingham/Nicks "otra" y las contadas apariciones de un Peter Green que no debe andar bien de salud, algunos de los temas emblemáticos del grupo de los primeros años no encuentran su sitio, sobre todo uno de los instrumentales definitivos. Al fin y al cabo los Mac "actuales" recuperaban con cierta regularidad oh well y Santana le dio vida propia a black magic woman...








Aquí hay algo irónico. Hablamos del gran éxito de Marillion,  que ninguno de los dos "bandos" los Marillion de Hogarth y Fish, deben considerar muy importante. La banda recupera con cuentagotas la canción, como todo el repertorio de los años de Fish, pese al cariño que le tiene su público más veterano y en cuanto al escocés, antes de retirarse, veremos si definitivamente, tampoco es que haya estado siempre en sus conciertos, es más, en alguno nada más "pedírsela" se ha cerrado en banda. Paradójico que viva sobre todo de los derechos de autor de sus años en Marillion y que por tanto Kayleigh sea la canción que más dinero le genere.





Entiendo en parte a Bunbury con que se asocie a Héroes, e incluso a él como artista en solitario, con entre dos tierras, por los siglos de los siglos. Sin ser un mal tema, ahí está su mítico solo, no es de las mejores  canciones de los zaragozanos y sí, es normal que Enrique no se quiera quedar estancado en tocar el tema una y otra vez en lugar de apostar por canciones nuevas (otra cosa es que acierte con las canciones nuevas) Lo del adoquín de aquel concierto en Zaragoza por "renegar" de Héroes tampoco ayuda...y claro, como los demás  siguen en el "limbo" la "pobre" entre dos tierras es solamente carne de radiofórmula...y de karaoke y la barra libre en las bodas. Ay.





 Por último casi todos los temas de Uncle Tupelo, considerados como "claves" para entender el alt country han sido relegados al olvido por Jeff Tweedy, que casi no se acuerda de ellos y hasta por Jay Farrar, que es el que mantiene el "legado". Recupera temas en sus conciertos sí, pero bastante oscuros, se echa de menos que aparezcan whiskey bottle o life worth livin