sábado, 30 de julio de 2016

Sonrisa salvaje cumple 30 años

Con dos cohoné




El disco que más ha hecho por el mestizaje del rock, que no os vengan con milongas, está de aniversario redondo y hay que hacerle un homenaje, ya que inexplicablemente el gran David Lee Roth no se atreve,erróneamente aún piensa que fue demasiado lejos sacando esto (y tiene razón en el fondo...) .

Esa parte trasera con esos títulos
 ya... prometía...y mucho

Pero en 1986 se atrevía con cualquier cosa; David Lee Roth aguantaba fenomenal su separación de  Van Halen, con los que disputaba un mano a mano en listas y empezaba a alimentar la polémica con Sammy Hagar...había grabado un EP exitoso y un debut grande, Eat´em and smile que sonaba muy bien, no en vano en su formación estaba gente de mucho nivel como Billy Sheehan o Steve Vai...fue al bajista al que se le ocurrió que sería bueno meterse a lo grande en el mercado hispano a lo grande y la única opción era cantar en español, idioma que creo que el amigo David había aprendido ya...claro que a su manera, o sea a las bravas y sin respetar "plazos"...algo que influiría en el resultado final. 

Porque el disco, que instrumentalmente es igual que su versión "inglesa" adquiere un nuevo nivel gracias a la interpretación de David Lee Roth, que se nos transforma de golpe y porrazo en un extraño mexicano que se ha tomado más de un tequila y que por las prisas con las que canta, sospechas que también lo ha acompañado con algo más... "alucinógeno"...ahora que sacamos el adjetivo, la verdad es el que mejor describe sonrisa salvaje: escucharlo sigue siendo una experiencia alucinógena. 

David metiéndose en el papel del "mexicano"...con ayuda

Empezando con esa intro mítica con el " ¿Cómo ?oye déjame no más subirme a la acera..." de Yankee rose, siguiendo con la demencial en busca de pleito, ríete tú del Breaking the law de los Priest, aunque vaya a saber que narices dice aquí David Lee Roth (¿un ratón que sube al cielo? ¿De la misma calaña? ¿Quiénes son super ratón y fresita? ¡La virgen!)  tímido (tímido no encaja muy bien con David Lee Roth) así es la vida (Temprando en marzo y no sé que dice en abril, jo, jo jooo) y noche de ronda en la ciudad...el hard rock para mariachi ideal en "una cálida noche tropical", arma de caza mayor (por favor, por favooor) y ese loco de calor con los guitarrazos de Vai acompañando al "mexicano" más pasado de vueltas de todo el disco, que ya es decir con ese "vuelto loooco"



Una experiencia única el disquito, que no llega a la media hora pero que no se te va a hacer corto. Ni largo tampoco..sino alucinógeno. Por cierto, treinta años después tiene la misma frescura, cosa del desmadre ¡Viva sonrisa salvaje, viva el despiporre!    





viernes, 29 de julio de 2016

Robert Plant en directo nunca ha fallado


"A ver Coverdale, que yo también tiro de maraca si se tercia..."


El público que lo ha visto en esta mini gira que se ha marcado por España ha acabado con muy buen sabor de boca y hasta diría que algunos han descubierto que Robert Plant en solitario (y en directo) sigue funcionando pero que muy bien, no sé si también influye que esta vez haya metido más temas de Zeppelin en el repertorio...de todas formas, bienvenido sea, aunque como fan del hombre en solitario, debo decir que Robert en solitario nunca ha fallado en directo, desde que arrancó en 1982. Solamente ha fallado, eso sí, un directo oficial y espectacular que lo atestiguara, un doble álbum de Robert Plant  en 1993, después del fate of nations, por ejemplo. Pero afortunadamente entre bootlegs emisiones de radio y otras cosas sí podemos hacer un recorrido bastante amplio por su carrera en directo: 






                                                       ¡En el mítico sputnik!

                                                  
    Una prueba de que esperó demasiado para publicar material oficial en directo: su primer dvd en concierto y casi el primer directo oficial, porque salió como bonus disc de Mighty rearranger, es este material y hablamos del 2005...

Y el primer disco como tal es del 2012 con the sensational space shifters band. 



Y estos últimos vídeos son una muestra de lo que tanto ha disfrutado la gente estos días...Robert Plant es un grande en directo de siempre...el algodón no engaña.


martes, 26 de julio de 2016

Gabriel Cox y su canción Willie Brown II




Echaba de menos un tema de este año, de esos que empiezas a tamborilear los dedos y te acaban enganchando del todo...pues aquí tenemos el primero, con este cantante de blues rock de Portland que tiene buenos mimbres, desde luego. Espero que siga dando que hablar...si es que en el fondo hacer una buena canción es algo muy sencillo...


lunes, 25 de julio de 2016

Alex Lifeson y Geddy Lee recuerdan Moving pictures









El guitarrista y el bajista de Rush siguen recordando la historia de la banda, ahora que, si no ha llegado a su fin, si parece que el trío entra en una nueva etapa, alejado de las giras. Si hace un par de meses hablaban del disco que les consolidó, 2112, ahora comentan nada menos que moving pictures, quizás su mejor disco, en el que se equilibraron todas las facetas del grupo, la progresiva, la hard rockera, hubo pinceladas ochenteras para bien e incluso el tonillo hortera que a veces tienen (lo notas si no eres un "die hard fan" ) brilla afortunadamente por su ausencia. 

" y lo sabes"
Pese a que el disco parece menos elaborado o intrincado que otros, los dos defienden que, por el contrario, les llevó más tiempo que otros álbumes, como el anterior permanent waves, ya que apostaron por experimentar más con el sonido, aunque finalmente los tres quedaron satisfechos con el resultado. 

Hablando de las canciones, Alex Lifeson destaca que algunas de sus canciones más poderosas están en moving pictures y Geddy  Lee nombra como ejemplo a Red Barchetta más que a Tom Sawyer, que ambos reconocen que les tocó sudar sangre para componerala: para Lee es la canción en torno a la cual pivota todo el disco, a partir de ella todo les fue casi rodado. Así llegaron YYZ, su famoso instrumental, que escribieron en un día en una jam Neil Peart y Geddy Lee, en una colaboración poco frecuente dentro de Rush y limelight. Witch Hunt es un tema que Lifeson llama "raro" , pero que le parece dinámico y vital signs, llegó a última hora, casi como relleno. Otro tema compuesto en un día...quién diría que Rush pueden ser dinámicos a la hora de componer y salir bien del empeño...como se dice por ahí, cuando los astros se alinean...es el tema que tiene una orientación más ochentera, más popera y el bajista del grupo recuerda que fue así para oponerse de alguna manera a un tema más complejo como camera eye.

Curiosamente Moving pictures no fue un disco por el que cuando terminaron de grabar, los canadienses sintieran mucho cariño, necesitarían tiempo. Geddy Lee comenta que acabó literalmente quemado, que lo primero que hizo al terminarlo fue subirse a un avión rumbo al Caribe, en plan turista hispano...y que esa noche, al oír por primera vez el disco entero pensó que lo habían hecho todo mal. Afortunadamente, un par de semanas después ya dio su brazo (o nariz, seamos malos) a torcer...Moving pictures les cambió otra vez la vida a los tres y encima es un disco más que notable. 

Aunque acabaron viéndolo todo doble...





jueves, 21 de julio de 2016

So de Peter Gabriel cumple 30 años




Y Peter Gabriel o quién quiera que decida por él, lo vuelve a reeditar sin ningún aliciente ni extra, como es lo habitual en su discografía. En fin, al menos ésto nos permite hablar del disco en un aniversario redondo, un disco que no es tan compacto como el I o el III pero que al mismo tiempo tiene las mejores canciones de Peter Gabriel. 

En el 86 ese teléfono echó humo fijo 

So es un disco de producción arriesgada, para los ochenta, claro pero que tiene, qué curioso,  un origen casero, el propio estudio casero de Gabriel en su mansión de Bath. Y que habría sonado distinto (o tal vez no) si se hubiera decidido por contratar como productor a Nile Rodgers, entonces en el candelero ochentero después de Let´s dance, pero finalmente Daniel Lanois fue el elegido, repitiendo su papel en la mesa porque ya había producido la banda sonora de Birdy y actuando como mano derecha o izquierda, porque estuvo desde el primer momento, desde las demos caseras, junto a Peter Gabriel y el guitarrista David Rhodes. Luego se iría agregando más gente, de lujo, Tony Levin al bajo por supuesto, Stewart Copeland, Manu Katché...hasta dar forma a un disco que se puede entender como la primera concesión de verdad del cantante a la world music, de la que era ya un firme defensor. Así encontramos percusión brasileña y ritmos africanos, aunque aparecen en las canciones bastante atenuadas por la producción, ahí influyen por primera vez esas capas de sonido de Lanois que conocemos de Achtung baby o el más reciente Le Noise. También es un disco más comercial, el más "fácil" de su carrera, siempre que hablemos de  Sledgehammer, con su sección de viento o Big Time...en el otro lado de la balanza están maravillas como Red Rain, mercy street o In your eyes, claro, que debía "coronar" el disco pero que solamente lo hizo en la edición en CD, canciones que son tan buenas que la aportación de cantantes "invitados" suma cuando podían haberle restado fuerza al asunto, como Yossou N´Dour en la citada in your eyes o Kate Bush en don´t give up.

en el candelero
Por supuesto también hay que comentar que so fue el disco que hizo que Peter Gabriel pasara de ser un artista (relativamente) de culto a un superventas y un pope del pop (qué oportuno el juego de palabras, sí) capaz de involucrarse en el rock for Amnesty o pedir el fin del apartheid. Además de convertirlo entonces (ahora parece un señor muy mayor...y lo sabes) en un "madurito interesante" todo influye...

Aparte, es un disco que debe gustarle especialmente al propio Gabriel, porque incluso ha llegado a tocarlo íntegro en más de una ocasión, rescatando a algunos músicos que participaron en la grabación...aunque ahora racanee al reeditarlo...y mucho.









miércoles, 20 de julio de 2016

Ladies and gentlemen...The Bangles pertenecieron al Paisley Underground...


...Y lo hacían muy bien.



Seguramente eso de Paisley underground es una etiqueta que habéis visto de refilón más de una vez en blogs foros y revistas. Fue una "sub escena" de principios de los ochenta, en la ciudad de Los Ángeles pero que tenía las miras puestas en los sesenta, en bandas precisamente angelinas como The Doors, Love o Buffalo Springfield a las que rendían tributo. Green on Red o the Dream Syndicate son los nombres más conocidos por todos y justo por detrás vendrían the Bangles ¿Las mismas Bangles de walk like an egyptian y eternal flame? Las mismas. Pero un poco antes. 


En esos primeros ochenta las hermanas Peterson y Susanna Hoffs, el núcleo digamos duro y clásico de las Bangles grabaron una serie de singles, Eps y demos en sellos independientes que tienen ese sonido algo diferente a lo que harían después (y bien) con sus álbumes para sellos importantes, un sonido más pop y suavizado, justo el que escuchamos en su primer gran éxito, el manic monday que les cedió Prince. 

Buena parte de ese material aparece ahora en un recopilatorio curioso que no debería pasar tan desapercibido como me temo: ladies and gentlemen...the Bangles, donde ya se nota esa influencia sesentera en la portada con los vestiditos de las chicas. Ya hablando de música, tenemos ese material casi vintage, en el que las Peterson y Susanna Hoffs se han sumergido y en el que está su primer single, que nos dará una pista de como sonaban exactamente esas Bangles primerizas: 

Ah y claro, como un post sobre the Bangles sin fotos de la bellísima/ como mejora la tía como los buenos vinos Susanna Hoffs no es lo mismo, ahí va. Ojo, cuidao





Más libros de música que están encontrando su hueco y de los que habría que saber...


...por lo menos que existen y de qué van, porque están trascendiendo al mundillo:¡Qué nos desfasamos si nos descuidamos un pelín!

Si hasta ahora no habéis oído hablar de ellos o lo habéis hecho de pasada nada más, os doy algunas nociones: 


Unas memorias, con diseño de portada más que setentero y de libro "de culto", que han convertido a James Rhodes en una celebridad, saliendo del anonimato de la música clásica, gracias al boca a boca que se ha desatado con el libro. 

Más que nada por que Rhodes confiesa, al parecer sin tapujos, que fue violado en su infancia por un profesor de gimnasia, lo que le abocó a un infierno personal del que fue rescatado por la música. Aunque no por el rock, sino por la clásica, que le convertiría con el tiempo en reputado pianista. Aparte de detalles escabrosos, que hicieron que el libro estuviera prohibido en el Reino Unido durante un tiempo por orden judicial, debido a su crudeza, James  Rhodes lo enfoca como un canto de amor a la música, claro, además de su función terapéutica. Una historia de esas de superación, más británica que americana, que ha causado furor, también aquí, ha estado hace poco en España con un par de recitales llenos hasta la bandera que si necesitáis reafirmaros en el poder de la música debéis leer, que lo mismo os sacan el libro en una de esa conversaciones de "cuñados" de esas que se han puesto de moda ahora. Con disección de la obra de Bach y de otros músicos clásicos que le han marcado a lo largo de su biografía...también lo disfrutarás si mezclas clásico y rock a lo ELP. 




Supongo que éste nos gusta más a os que nos interesa el asunto de por qué se ha ido la industria del disco al carajo y sacamos el látigo, pero oiga, que el libro de Stephen Witt, un matemático que descubrió siendo chaval como descargar sin autorización, en el momento exacto en que se pudo...cuando se subió a la red until it sleeps de Metallica...así que hay también algo de nostalgia noventera, que es otro asunto en boga. Witt trata de hacer una cronología de cómo y por qué ha pasado esto del pirateo, siendo lo más novedoso que entrevista a los "pioneros" del asunto, los primeros que escamotearon cds para copiarlos y subirlos a la red. También tiene su espacio el otro bando, la industria, que ya sabemos que no previó el cataclismo...un asunto que incluso se trata en el mundo académico...además es un libro publicado por Contra, una editorial del estilo Juan Palomo que apuesta, supongo que lo podemos llamar así, por un catálogo de "cultura pop", con mucho deporte y música en los títulos, con autores importantes como Greil Marcus y Norman Mailer a la cabeza y que junto a otras como Malpaso están renovando muy bien la oferta de libros de música en castellano. 







lunes, 18 de julio de 2016

Diga Jeff Beck, diga cuatro discos y diga diversidad


De los guitar heroes si hay algo que distinga a Jeff Beck, aparte de no ser tan conocido como, por ejemplo los también ex yardbirds Page y Clapton, es la variedad de su repertorio, como fluctúa por géneros como quiere, algo que no suelen hacer los hachas de la guitarra, al menos no tanto y al mismo tiempo también tiene la habilidad de sonar accesible, sea lo que sea lo que toque, poca tendencia tiene Jeff Beck a la megalomanía y eso es una virtud más que un defecto. Para hacernos una idea y aprovechando que saca nuevo disco, podemos verlo seleccionando algunos de sus discos por década (que vamos por la quinta, oiga: el tío dando guerra en solitario desde el 68, no está nada mal) Ninguno sigue los mismos patrones, más allá de la propia guitarra de Beck y todos entran muy bien a la primera.


Segundo álbum del Jeff Beck group con Rod Stewart a la voz, poniendo acento en las versiones y en el rock pesado, no en vano en las notas del disco el mismo Beck habla de "heavy music" cuando el término empezaba a asociarse al rock. Versiones de Elvis Presley, temas firmados por un escudero ideal como Nicky Hopkins...Jeff Beck sabía de lo que iba el rock duro que se estaba imponiendo a finales de los sesenta y cumplía perfectamente.





Publicado a mediados de los setenta con Blow by blow Jeff Beck demostró que era capaz de hacer lo que quisiera, descolocando un tanto al personal saliendo indemne de la jugada. Aquí se marca un disco completamente instrumental y se acerca al funk y al jazz con versiones (abundan en su discografía como podéis ver) de Beatles o Stevie Wonder. Un disco arriesgado en el que la guitarra vuela libre en medio de mucha improvisación






Publicado en 1989 Guitar shop acopla sonidos ochenteros a la guitarra de Beck, que tira de hard rock cláscio. Ojo, con gente cubriéndole las espaldas a Beck de mucho prestigio, a la batería encontramos a Terry Bozzio...pero sí que hay sintetizadores y a veces suenan en baladas ochenteras. Qué no le quedan nada mal. 






En 2010 y después de un disco orientado a la electrónica, Beck se permite dar una nueva vuelta de tuerca a su carrera y marcarse un disco en el que casi todo vale y funciona: blues rock, piezas orquestales, versión de Lilac Wine y Corpus Christi Carol que remiten a Jeff Buckley  y voces femeninas de lo más variado: Joss Stone e Imelda May, entre otras. Pero, por encima de todo está la guitarra, una vez más inconfundible.





Jeff Beck un guitar hero que se atreve con casi todo y con el que casi todo acaba sonando a Jeff  Beck.


viernes, 15 de julio de 2016

Nostalgia de los Iron Maiden primigenios



Vuelven a pasar por aquí de gira y de nuevo arrasan...nada nuevo bajo el sol, de alguna manera. Aunque ahora noto a los aficionados a los sonidos más duros entregados del todo al grupo. Un tiempo atrás, con algún disco más discreto después de que volvieran con Dickinson aún había una sección de irreductibles que decía que los verdaderos Iron Maiden solamente podían ser los de Paul Di Anno...ahora parecen borrados del mapa en foros y blogs. Yo reconozco ser uno de ellos. 


No quiero decir que estos Iron Maiden (que tampoco es uno de los grupos de mi vida precisamente)  no merezcan la pena, pero son otra cosa, que no tiene mucho que ver con lo que fueron en sus dos primeros discos, con los que marcaron distancia casi desde que entró Bruce Dickinson como cantante. Por eso quizás valoro más a los Maiden primigenios. 

Ese grupo, con Di Anno, Stratton o Clive Burr en sus filas, se inventó un subgénero casi en solitario, la famosa NWOBHM, casi por generación espontánea, en un ambiente muy concreto y ganándose a pulso el apoyo popular, que los aupó de la nada. Solamente por eso habría que valorarlos...también está ese componente punk, en el mejor sentido, que los hacía más directos...es curioso la fobia de Harris a las bandas punk de la época con las que Iron Maiden convivió y que niegue vínculos, tal vez porque sigue siendo alguien preocupado por tocar bien a diferencia de muchas de aquellas bandas...pero no se puede negar la conexión, por el sonido y porque tipos como Paul Di Anno o Dave Murray eran punks, incluso tenían un pasado más "chungo" antes de ser rescatados por la música. Eran tiempos de mucha efervescencia en esa Inglaterra a a que llegaba Thatcher, con todo lo que eso supuso y Iron Maiden lo reflejó de alguna manera en su sonido, el del pub Red Lion, las sondhouse tapes, el recopilatorio metal for muthas....todo aquello y eso se ve en los surcos, sobre todo de Iron Maiden y un poquito menos en Killers, creo yo. En el debut está  la declaración de intenciones que es Running free, canciones más conectadas con su momento como Charlotte the Harlot o Iron Maiden, que no tienen nada que ver con la historia militar o el mundo maya, la apuesta por temas más complejos con Phantom of the Opera, que quedó redonda, sanctuary. Un disco que es reflejo de una época y de una escena, como un testamento, sí. 


Chupas sí, vaqueros marcapaquete también
Killers adolece algo de esa frescura, pero en el fondo el sonido sigue siendo parecido, igual de atractivo: wratchchild, murders in the Rue Morgue, un tema tan interesante como poco conocido que es Prodigal son...en fin, todo aquello se perdió cuando salió Paul Di Anno del grupo. Que era lo que tenía que suceder, no nos engañemos, un tipo que se estaba poniendo como las Grecas iba a conducir al grupo a un callejón sin salida y alguien tan estricto como Steve Harris no lo iba a permitir, por lo que estuvo justificada su salida (de hecho, pudiendo haber tenido un papel importante en el mundillo del heavy tras salir de la dama la cagó, no hay otra palabra que lo defina mejor, bastante es que el tipo siga dando vueltas por ahí y viviendo de aquellos discos) pero ya nada fue lo mismo y yo al menos echo de menos a esos Maiden primigenios, perdidos en el tiempo. Al menos me queda y nos queda el numeroso material de esos años que gracias a Harris sobre todo se ha ido publicando: BBC archives, maiden Japan, el Live at the Rainbow...la nostalgia que no falte. Por lo menos...









jueves, 14 de julio de 2016

Jim Steinman, otro tipo único.


"Volver" a Meat Loaf ha hecho que vuelva a fijarme en su inseparable Jim Steinman y el personaje me parece ahora aún más sorprendente. Incluso más que cacho carne:el compositor no solo es alguien tan inclasificable como él si no que lo ha sido durante mucho más tiempo que su partenaire, dejando momentazos a lo largo de cuatro décadas. Momentazos para lo bueno y para lo malo. Con todos ustedes, el Steinman 
Chupa de cuero que ya quisiera Halford, oiga


A finales de los sesenta Jim Steinman empezó a componer la música de  adaptaciones teatrales mientras estudiaba en la universidad, en Armshet...y poca broma con esto, que se inició con Bertold Brecht...aunque enseguida ya se marcó su primer proyecto propio, una obra llamada the dream engine, donde ya nos da pistas sobre lo que le gusta crear: un joven llamado Baal que en un futuro lejano se enamora de la chica, que resulta que es la hija de sus dos archienemigos, contra los que Baal se ha rebelado...la obra debía tener su punto, porque al verla un productor, en el intermedio ya quiso fichar para Broadway al joven Steinman, que se puso a la tarea después de graduarse. 

Mientras componía música para representaciones con títeres y montaba nuevos musicales basados en la obra de Richard Wagner (otra de sus influencias, de hecho lo que hace Steinman se conoce como "rock wagneriano", en serio...benditas etiquetas)  empezó a firmar temas para otros artistas y la primera canción que saltó a la palestra fue happy ending para  Yvonne Elliman, que si el nombre no os dice nada, es una cantante de musicales que se haría famosa por un tema disco, If I can´t have you que aparece en la banda sonora de fiebre del sábado noche. 


Todavía le quedaban muchas cosas por pulir a Steinman, pero ya queda claro que puede componer prácticamente para quién quiera, el tipo es un verdadero comodín. Lo vamos a ir viendo a lo largo del post. 

Es en esa época cuando conoce a un cantante tejano de prodigiosa voz y no menos prodigioso volumen corporal, que resulta ser su media naranja musical
Hermanos de sangre...como Arévalo y Bertín Osborne

y en 1977, preparando con él un hipotético musical sobre Peter Pan, los dos se dan cuenta que el material que Steinman ha compuesto y que Meat Loaf canta es más apropiado para un disco, que además era algo que ya tenían en mente...en un año punk, el 77, algo tan recargado parecía que no iba a funcionar y les costó encontrar compañía que lo lanzaran. Por supuesto el disco es bat out of hell y el pelotazo que dieron los dos fue tremendo. Por supuesto aquí tenemos alguna de la mejores composiciones de Steinman y también de las más inclasificables: la propia bat out of hell o esa suite desmadrada que es paradise by the dashboard light, pero la más original quizás sea you took the words right out of my mouth


Tremendo. Aquí descubrimos otra de las excentricidades de Jim Steinman, que no es otra que la costumbre de marcarse una intro recitada, en plan teatro shakespereano, con él de protagonista, claro, al borde del ridículo, pero sin caerse...hasta que entra Meat  Loaf y descubrimos un tema que recuerda horrores al mejor Springsteen. No es casualidad, ya que Springsteen es tan importante como Wagner para Steinman y si se puede añadir un wall of sound spectoriano, pues mejor que mejor. Solamente Steinman y Meat Loaf pueden hacer este menjunje y salir triunfantes. Por eso me reafirmo en que son únicos, cualquier otro que se hubiera atrevido con un disco así, inclasificable todavía hoy, habría naufragado sin remedio y en lugar de eso estos dos lo petaron. Cuarenta millones de copias vendidas...

Así llegamos a los ochenta, década en la que Jim Steinman va a ser un verdadero pope musical, en un relativo segundo plano. Para empezar, un disco propio, bad for good, en el que canta él mismo auxiliado por otra voz masculina, Rory Dodd y con la colaboración una vez más de  Karla de Vito. Meat Loaf estaba todavía intentando recuperarse de sus problemas en la voz (en la época se decía que para recuperarla se bebía su propia orina) y de algunas adicciones poco recomendables. El disco es todo un bat out of hell 2 sin tanta épica al no estar cacho carne, pero aún así tiene momentazos como éste:


                                            ¡La mezcla perfecta de horterismo y marcha!

Por si no fuera poco ese mismo año, 1981, Meat  Loaf volvería a la palestra y de nuevo con un disco con los temas firmados por su inseparable Steinman: Dead ringer. Sí, la legendaria canción ideal para darlo todo en una despedida de soltero mixta lleva su impronta...aunque ojo también a nocturnal pleasure: ¡un monólogo recitado por el propio Steinman metido con calzador en mitad del álbum! Épica total en menos de un minuto, oiga


Un par de años después se encontraría con la otra artista con la que más y mejor ha conectado. Nada menos que  Bonnie Tyler, que con él se pasó a la épica ochentera...

Y con los años ella le pasaría su fijador para el pelo....
por supuesto con total eclipse of the heart, firmada por Steinman, un tema inspirado en la historia de amor de dos vampiros...puro Steinman, que sale triunfante. Aunque ojo también a faster than the speed of night, la prueba de que las canciones de nuestro amigo se ajustaban también a una voz grave como la de la galesa:


Pero es que aparte de saborear las mieles del éxito con total eclipse, número uno en América, Steinman también lo consiguió ese mismo año, 1983, con otro tema compuesto...para los horteras de Air Supply. En esos primeros ochenta Jim Steinman era un verdadero rey Midas que lo convertía todo en oro. Hasta un dúo de horteras de bolera...la épica Steinmaniana podía con todo. 


No dejemos de hablar de horteras...turno para Barry Manilow, nada menos que Barry Manilow y sus "ropajes" que deja a Mandy en Copacabana y se nos marca una versión, adaptada para él, de Read em and weep, que Meat Loaf había cantado en Dead Ringer. 


Al año siguiente se metería en el tema de las bandas sonoras, aunque no era su primera experiencia allí, en 1975 ya había firmado la banda sonora de Campeón, una película a lo Rocky, pero más lacrimógena, pero sí que serían las más exitosas y épicas. Holding out for a hero, que aparece en footlose y sobre todo esos dos temazos para  calles de fuego que le dan más empaque todavía a la película. Diane Lane, coches vintage, persecuciones en moto, luces de neón, persecuciones, peleas épicas del héroe y el malo muy malo...y Jim Steinman. Qué más se puede pedir. Además tonight is what to means to be young puede que sea la mejor canción que ha firmado: 


Al año siguiente, en otro giro increíble, compone un tema para Hulk Hogan, que se incluye en the wrestling album y que incluso sería cabecera de su serie de dibujos animados. Steinman se atreve con todo, pero siempre vuelve a sus clásicos...en este caso a Bonnie Tyler, a quién produce un nuevo trabajo secret dreams and forbidden fire, renunciando a trabajar con Andrew Lloyd Webber en el fantasma de la ópera. A cambio, nos entrega otro temazo con la galesa a dúo con Todd Rundgren, que hace que te vengas arriba...un salva matrimonios ochentero y épico, por descontado: 


El siguiente paso sería producir a Sisters of Mercy. Steinman meets gothic rock...y a alguien verdaderamente complicado, Andrew Eldritch. El resultado es bueno, this corrosion lleva su sello, por ejemplo...la década prodigiosa la va a cerrar con un nuevo álbum propio, aunque firmado con el nombre de Pandora´s box, un seudónimo para un puñado de cantantes femeninas (qué bien se lo montaba también el tío) que lo acompañan en un disco más o menos conceptual, original sin, en el que Steinman lo vuelve a hace y se marca un temazo ochentero como good girls go to heaven but bad girls go everywhere.

Llegan los noventa y vuelve a colaborar con Andrew Eldrich en el último disco de Sisters of Mercy, donde incluso firma a medias con él un tema, more, en el que se las apaña para colar los coros marca de la casa junto a la voz fantasmagórica del inglés...y otra vez la cosa funciona: 



Os preguntaréis donde anda el bueno de Meat Loaf...durante toda la década anterior se había peleado por Steinman por los royalties, el dinero, ya sabemos...pero firmaron las paces las navidades de 1990,sabían que estaban condenados a entenderse y finalmente volverían con un mano a mano que sería bat out of hell II. El disco de I´d anything for love...pero por no insistir con el temazo, destaquemos otro tema como life is a lemon...Steinman podía sonar moderno y tan teatral como siempre. 


miércoles, 13 de julio de 2016

Los Hansa Studios de Berlín



Seguimos viajando por estudios míticos para el rock. Esta vez salimos del ámbito anglosajón y nos plantamos en un estudio de Berlín legendario, nada menos que los Hansa Tonstudio, que ése es su nombre en alemán. 

El estudio se construyó a partir de una meistersaal o sala de conciertos, que se remonta nada menos que a 1910 y está por tanto cargada de historia. Por ejemplo, en la Segunda Guerra Mundial todo un ala del edificio fue destruida en un bombardeo aliado y después de la contienda compaginó los conciertos de música clásica con teatro de variedades e incluso cine, hasta que a principios de los sesenta el sello Ariola empezó a utilizar la sala como estudio, justo en el momento en el que se levantaba, justo al lado, nada menos que el muro. 

El estudio fue en esos años coto casi privado para artistas alemanes ajenos al rock, incluso durante un tiempo se probó con un sitio nuevo que no convenció a sus propietarios, que volvieron a utilizar la clásica Meistersaal, llamándola Studio 2 y apostando por grabar música "ligera" y foránea. Estamos a mediados de los setenta y a partir de ese momento la nómina de artistas que pasará por los Hansa Studios sí que nos va a sonar: Tangerine Dream, David Bowie, Iggy Pop, U2, Nick Cave and the Bad Seeds, Depeche Mode, Siouxie and the Banshees, Marillion, Killing Joke...no,no está nada mal. 

Muchos de esos artistas comentan que el sitio es inspirador, especialmente esa Meistersaal, tan cargada de historia, no siempre buena, ya lo sabemos. Un sitio que tiene algo de solemne y sombrío, parece que eso se nota incluso en el sonido de algunos discos grabados allí, en una ciudad acogedora para artistas y hasta el año 90 más o menos con el añadido de tener el muro de  Berlín al alcance de la mano, literalmente y que es "talismán" para el rock. Pensemos que allí, por encima de todo se han grabado tres discos excepcionales: Heroes de Bowie, Misplaced Childhood de Marillion y Achtung baby de U2. 

Bowie y Eno en el estudio en los setenta
Por supuesto en quién hay que detenerse primero es en Bowie, quién lo puso en el candelero, en su estancia berlinesa, mano a mano con Brian Eno, otro tipo muy vinculado a Berlín y los Hansa studios. Hay una biografía de David Bowie, de las muchas que tenemos en el mercado, loving the alien de Christopher Sandford, que rememora perfectamente, en mi opinión, esos años, con Bowie asomado a la ventana de la meistersaal y contemplando una torre de vigilancia al otro lado, en la parte oriental con los Vopos (la policía "del pueblo) patrullando y escribiendo versos como "and the shame was on the other side"...hasta que un día ve a su productor Tony Visconti besándose con una chica justo debajo de la torre (también pensó, por cierto que mira que habría sitios para darse el lote y vaya plaza que había elegido la parejita) la inspiración llega del todo, Bowie trabaja en un instrumental de Eno que habían dejado aparcado...nace Heroes y el resto es historia. 



La relación de David Bowie con Berlín y los Hansa Studios no termina ahí, sino que años después, en la gira del glass spider tour con Bowie en plan superestrella ochentera se planta en Berlín y en una anécdota que también cuenta Sandford en el libro, que a mí me parece casi emocionante, más con lo que ha pasado este año, se planta en la puerta del estudio y llama al portero. Cuando le contestan se presenta  humilde diciendo "Soy David Bowie, solía grabar aquí a menudo"...realmente David Bowie era único. 


Nick y cía aclimatándose a Berlín en los ochenta
El otro grupo que más relación tuvo con los estudios en los años dorados fueron Nick Cave and the Bad Seeds. Algo relativamente normal, ya que el núcleo duro del grupo vivía allí expatriado desde los tiempos de los  Birthay party. Los discos más "góticos", más caóticos y sombríos del australiano, the firstborn is dead o your funeral...my trial están grabados allí y podemos intuir algo de esa atmósfera especial del estudio si volvemos a pinchar stranger than kindness  o la brutal Tupelo.



Depeche Mode también utilizó mucho los estudios antes de pegar el pelotazo a finales de los ochenta, pero fue  Marillion el que volvió a poner en boca del mundillo el estudio, gracias al éxito de Misplaced Childhood. Curiosamente acabaron en Berlín porque les salía más barato que otros estudios y EMI les había recortado mucho el presupuesto después de Fugazi...pero la ciudad y el estudio serían vitales para que llegara a buen puerto un disco sensacional, con un Fish en modo on fire aprovechando la atmósfera a su alrededor para completar su idea del disco y grabar. Incluso grabaron el elegante clip de Kayleigh allí, dejándonos en imágenes como era ese Berlín occidental y esos estudios en 1985. 



U2 listos para su última vuelta
de tuerca que mereció la pena
Por si fuera poco, en los 90 con la ciudad ya reunificada, los Hansa Studios se pondrían a la vanguardia de las producciones gracias a dos discos: Bossa Nova de Pixies y sobre todo Achtung baby de U2. De nuevo gracias a la mediación de Eno (y a Daniel Lanois) la historia ya la conocéis. Bono y cía no tenían las ideas nada claras al aterrizar en Berlín, encima se encontraron allí en mitad de un invierno crudo y con las instalaciones no del todo preparadas...se formaron dos bandos, con Bono y the Edge en un lado, queriendo experimentar con el sonido frente a Mullen y Clayton que querían seguir con el sonido clásico y estuvieron a un tris de separarse allí. Pero llegó en un tris One y de nuevo, el resto es historia.


Solamente con lo dicho ya es un sitio legendario, pero es que además, al contrario que muchos otros estudios míticos, resulta que los Hansa siguen funcionando, incluso se sigue grabando en la legendaria y restaurada Meistersaal. Por allí, para que os hagáis una idea, han pasado REM y Manic Street Preachers para grabar sus últimos discos y artistas más jóvenes como la escocesa KT Tunstall también han apostado y obtenido buenos resultados grabando allí. Como creo que puede visitarse, incluso en rutas personalizadas por la ciudad basadas en Bowie, Depeche o U2 (los alemanes son gente seria, ya sabéis) si hacéis una visita a Berlín, destino que elegimos mucho en España, tal vez podéis daros un garbeo por allí y "aspirar" esa atmósfera que también es historia del rock. Aunque solo sea para homenajear a Bowie. 
  
La mítica meistersaal

lunes, 11 de julio de 2016

Te lo recomiendan...ya que nadie más lo hará: The Stranger de Billy Joel



Sí, un disco superventas para la sección...pero creo que entre el rockerío pocos  recuerdan o aprecian el que es probablemente el mejor trabajo de Billy Joel.

Puede que sea incluso porque hay una imagen algo distorsionada del músico, se le considera como alguien "blando" o "soft", tal vez por canciones como uptown girl, tan famosa y su videoclip bailando en el taller de chapa y pintura o incluso por ser pianista. Todavía nos causa cierto recelo el piano...Richard Clayderman hizo mucho daño. 

"Y yo en el 77 de Richard Clayderman...
no tenía na de na"

Y sin embargo Billy  Joel era un songwriter que no tenía nada que envidiarle a alguien tan como idolatrado Springsteen, con el que rivalizaba en los setenta. Boxeador amateur en su adolescencia (de ahí el guiño en la portada)

pianista de club para echar unas manos con las facturas, llevaba grabando y tocando en bandas desconocidas desde la segunda mitad de los sesenta y en solitario ya en los setenta, compaginándolo a veces con trabajos de pianista, que inspirarían el famoso tema de piano man( cuya historia poco o nada tiene que ver con la horrible versión que aquí se cascó Ana Belén) y luchando contra la depresión que le había llevado a intentar suicidarse en 1970. Así se plantaba en 1977 para grabar su quinto disco que aparte de ser su mejor trabajo le llevaría al fin a la primera división. 

Después de descartar trabajar nada menos que con George Martin, Joel se decantó por Phil Ramone, que capturó en estudio por primera vez al pianista y a su banda, como conjunto.  Este es uno de los puntos a favor de the stranger, no es solamente un pianista acompañado, sino un conjunto lo que escuchamos, un grupo de soft rock, como queráis llamarlo, pero cuyo sonido entra muy bien por los oídos.
Billy´s band in the back


Luego están, por supuesto, las canciones. Las nueve son brillantes, una historia en cada una, a veces narrativas y a veces más emocionales, pero siempre llegan, sobre todo las primeras, a veces unas canciones muy descriptivas,que te cuentan una historia con detalle no te llegan, pero no es el caso de Billy Joel, con cuyas historias te puedes hacer perfectamente cómplice, como pasa también con Tom Waits, por ejemplo. El disco arranca con movin out y ya queda claro que Billy Joel no va a hacer un disco con sonido de piano de club sombrío: aquí suena a Supertramp o Styx...y mucho menos afectado que esos grupos . A continuación viene  the stranger en la que el piano cede el protagonismo a la guitarra como si tal cosa, con cierto toque funky. Scenes from a italian restaurant sí es la clásica canción de Joel al piano, describiendo y como ya he dicho funciona, te vas a trasladar a un restaurante italiano  en una mini suite (que no llega a aburrir en ningún momento de siete minutos) que salta del jazz elegante (hay un clarinete genial...estoy hablando en serio)  al rock n roll.  Con Vienna se permite un viraje sorprendente, viajando a la capital de Austria donde residía su padre, después de haberse separado de su madre y en el que en el sonido se acopla perfectamente hasta un acordeón, instrumento que no  es que encaje muy bien en el rock, que digamos. Only the Good die young, un tema que levantó polémica en su momento (trata con ironía de un chico describiendo sus intentos por desflorar a una chica católica) es uno de los temas más marchosos del disco y que más arriesga para el año en el que estamos, 1977...por arreglos y por como canta Joel me recuerda mucho a John Mellencamp. Just the way you are...¿Qué se puede decir de una canción tan conocida? Que es una de las que mejor pueden expresar de forma sencilla un sentimiento. Una de las baladas definitivas, que han versionado artistas de todo tipo, de Barry White a Natalia Dicenta, aunque yo me quedo con el original. Por si fuera poco tiene una continuación en She´s always a woman, en la que Joel acierta otra vez en expresar algo profundo sin irse por las ramas y consiguiendo llegar... Por último Get it right the first time no está a la altura de los temas anteriores, pero por como suena encaja como perfecto colofón al disco, antes de que Billy Joel se siente al piano por última vez con everybody has a dream, donde incluso, la verdad es que the Stranger es una caja de sorpresas en cuanto a elementos, tenemos un coro gospel...que también encaja en el conjunto, antes de atacar las notas de Stranger con silbido, para cerrar el disco y el club a lo grande.


En fin un disco muy exitoso, que llegó al número 2 en listas americanas, que acabó superando en ventas al Bridge Over troubled waters de Simon and Garfunkel con 11 millones de copias vendidas, pero que no ha acabado de llegar al público más selecto por lo que comenté en el primer párrafo. Algo que habría que corregir, por eso lo recomiendo. Además hay una reedición muy buena por el treinta aniversario, que incluye un dvd con conciertos de la época de Billy Joel y cía en el Carnegie Hall o para el Old grey whistle test británico interesantes.





viernes, 8 de julio de 2016

Don Arden, ejemplo de mánager...para mal


A veces piensoque la industria musical se podría haber salvado si no hubieran aparecido personajes como Arden justo cuando el rock empezó a crecer de verdad y con él la industria del disco. Es inevitable que surjan tipos de esa catadura si hay dinero de por medio, pero aún así, qué cantidad de personajes cumplían a la perfección todos los tópicos del malvado capitalista...pocos, muy pocos a la altura de este sujeto.
En los sesenta, cuando marcaba traje y paquete


Don Arden empezó su carrera, en los años cuarenta nada menos, como imitador, en el circuito del teatro de variedades británico de personajes como...Caruso o Elvis Presley, al principio de su carrera. Fue justo después de intentar calzarse los zapatos del rey cuando tuvo la revelación: ser agente era mucho mejor. Porque daba más beneficios, claro...Arden empezó a hacerse un nombre organizando concursos de canciones folk hebreas...sí, como suena. Eso sí, en cuanto llegaron los sesenta, apostó por el rock, organizó las primeras giras por el Reino Unido de Bo Diddley o Chuck Berry y consiguió que Gene Vincent firmara un contrato con él como agente, cuando se estableció en la isla. Gene Vincent ya estaba de vuelta de todo y Don Arden no consiguió manejarlo a su antojo, sería de los pocos artistas con los que "fracasara": el rockero después de unos años le mandó a hacer gárgaras poniéndole literalmente un cuchillo en el cuello. 

Tal vez por eso se empezó a fijar en la emergente escena mod, tal vez esos paisanos jovencitos fueran más manejables que rockeros americanos alcohólicos como Vincent...Su primer grupo fueron unos tales Nashville Teens, que colocaron, gracias a los tejemanejes de Arden, tres singles en listas...obteniendo unas ganancias de tres mil libras que el grupo casi ni olió. Cuando el cantante de la banda le pidió explicaciones,  Arden se limitó a amenazarlo diciendo más o menos que él era la Masa y que si seguía poniéndose farruco lo tiraba por la ventana de su oficina. Poca broma con el tío.

Pero su primer grupo importante, el que le permitiría dar el primer pelotazo serían los Small Faces. Viendo a Marriot y cía, Don Arden advirtió enseguida su potencial y supongo que se le pondrían los ojos con el signo del dólar, como en los dibujos animados. Arden consiguió que firmaran con él y puso doce mil libras para que entraran en listas, como si a un grupo como Small Faces le fuera a hacer falta un "sobornillo"...otro pope de la representación de esa época,  Robert Stigwood, intentó "robárselos" y de nuevo Don Arden reaccionó a lo grande, de manera muy "sutil": juntó a cuatro cachas y se plantó en la oficina de Stigwood, se cargó un cenicero y sacó a su rival al balcón, amenazándolo, otra vez, con tirarlo por la ventana. Funcionó, Stigwood no contraatacó y tuvo que "consolarse" ayudando a formar Cream. Eran otros tiempos...o no

El tipo estaba en la cresta de la ola y un tanto crecido, incluso quiso retomar su carrera como cantante, fracasando con una versión del musical del violinista en el tejado. No se desanimó ni con esto ni con la disolución de Small Faces,porque enseguida firmó a The Move y después llevaría los asuntos tanto de Wizzard como de la ELO. Ahí sí que se hizo de oro de verdad, tanto que pudo abrir su propio sello, Jet. sello que tendría luego a Gary Moore, a Magnum, a Ozzy Osbourne y que fue propiedad de Don Arden nada menos que hasta 1991.  Ahora que hablamos de Ozzy, a finales de los setenta también representaba a Black Sabbath, que estaban  relativamente en decadencia y por primera vez el karma le jugó una mala pasada: Resulto que su hija, Sharon, la que luego sería mujer de Ozzy, había empezado a  salir con éste, un tipo al que Arden conocía perfectamente y que todos sabemos no era el yerno ideal...aunque por encima de todo lo que le escoció fue perder la pasta...resultó que la la hija había heredado su "astucia" y se había convertido en representante de Ozzy, birlándoselo a su padre, que en represalia, supuestamente (con alguien tan inquietante como Sharon Osbourne todo lo que diga hay que cogerlo con pinzas) le soltó a los perros literalmente, de  tal manera que perdió el niño que estaba esperando. La "buena" de Sharon se tiraría quince años sin hablar con él y le prohibiría conocer a sus nietos, vaya usted a saber si eso fue malo para el abuelo Arden, al menos con los dos monstruitos que conocimos en el reality de los Osbournes. Eso sí, al final se reconciliaron, a tiempo para que el abuelo se marcara un cameo en el reality. Todo por la pasta. 

 Pero volviendo a esos setenta que terminaban, pareció que se recuperó enseguida de lo de su hija con el bueno de Ozzy. Roger Cook, un periodista de investigación intentó sacar a la luz los tejemanejes de Arden como mánager "controvertido"y Don Arden estuvo a la altura de su personaje cuando se enteró. En directo, en una entrevista para la radio le dijo que no era un hombre, sino un gusano y que le retorcería el cuello a cualquiera que le dijera algo sobre él al periodista. Con un par otra vez. 

En los ochenta se instalaría en Beverly Hills comprándole la casa a Howard Hughes, apoyando a Ronald Reagan y pondría a su otro hijo, David,  como mánager de los estudios de IBC, jugada que le saldría rana, porque David acabaría en la cárcel  después de una historia truculenta con un empleado de Jet Records que les había robado y al que al parecer los Arden pegaron y torturaron, aunque Don Arden se libró de los cargos de asalto,secuestro, extorsión y tortura, nada menos. Ahí empezaría el declive del mánager, que perdería Jet Records y prácticamente desaparecería del mapa de la música a partir de los noventa, hasta que enfermó de Alzehimer al poco tiempo de reconciliarse con su hija, que se hizo cargo de su tratamiento. Falleció en el 2007, pero ya había tenido tiempo de dejar su impronta en el mundo del management...por supuesto para mal. 

Arden and sons: ríase usted de los Corleone





jueves, 7 de julio de 2016

Everybody´s in show-biz de los Kinks, reeditado



Una reedición curiosa, para completar discografías. Uno de los discos "menores" de la banda de los Davies, pero con unas cuantas curiosidades que merecen que pongamos la oreja (y si se tercia, la pasta) 

El décimo disco en ocho años de la banda (eran otros tiempos) es una curiosidad, porque siendo doble mezcla una parte en estudio y otra en directo, algo que incluso hoy es "rara avis". Nadie puede decir que los Kinks no arriesgaran, aunque su carrera entró precisamente en este disco en un bucle de discos conceptuales o de rock óperas (enseguida llegarían los preservation acts) del que no supieron salir hasta que se marcharon a Nueva York y se reinventaron con trabajos como sleepwalk o misfits. Así que el aspecto más de vodevil, de music hall, que entonces estaba más equilibrado con el rock puro y duro y el pop más elegante es lo que domina aquí, con el concepto de las tribulaciones de una rock star y la vida en la carretera, que necesitan mucha complicidad para que el oyente "normal" se acabe identificando con la idea...Aunque ahí está un temazo como celluloid heroes, que es el Ray Davies que nos gusta.. 

En cuanto al segundo disco, el directo, en el Carnegie Hall (más teatral imposible) la cosa es muy llamativa, porque no es un repertorio "Kinky" al uso: especialmente en esta reedición, que incluye como bonus track más temas de los conciertos que grabaron, por lo que podemos escuchar cosas como  she´s bought a hat like princess Marina, que no suelen aparecer en directo. 

Curioso y para completistas "Kinkies" sin duda. 




miércoles, 6 de julio de 2016

Una nueva box de David Bowie está en camino



Bowie 74/76, el de la nueva caja

Es bastante probable que Warner music saque una nueva caja de David Bowie, nada menos que de los años que van de 1974 al 76, los años de "transición" de Ziggy Stardust al delgado Duque Blanco, sale después de que lo hiciera una anterior, la de los años que van del 69 al 73 y haciendo bueno, desgraciadamente, el dicho de "a río revuelto ganancia de pescadores". En fin al menos parece que él mismo estuvo implicado en el proyecto. 

Tendrá trece discos, casi nada y por supuesto el material es de lujo: Diamond dogs, Young americans y Station to station...madre mía, más el directo (a mí me encanta) David Live del 74, Live in Nassau 76, que creo que es un bootleg bastante cotizado, igual que otro llamado strange fascination grabado en Los Ángeles en la misma gira del David  Live. Incluso he oído que puede incluir un disco inédito (qué barbaridad, a Bowie en los setenta le dio tiempo a todo, hasta a dejarse discos en los tinteros) llamado The Gouster, que David Bowie abandonó para grabar Fame con Lennon y del que aprovecharía material para Young americans. 


En fin, un poco de todo, bueno, pero ya publicado y explotado...anda que no hemos visto reediciones del David  Live, creo que con ésta sería la tercera edición diferente que sale, pero un disco inédito del genio lo cambiaría todo...veremos. Seguiremos atentos, porque parece que va a ser un no parar lo de material póstumo de Bowie. Tony Visconti, su productor tantos años, ya lo ha avisado: " en los próximos años vais a escuchar mucho material nunca oído antes de Bowie" .Esperemos que sea así, que disfrutemos de su trabajo incluso sin él con nosotros. 



lunes, 4 de julio de 2016

Mick Ronson como escudero del rock n roll

Sé pueden decir todavía muchas cosas y casi todas buenas de Mick Ronson, como guitarrista, una de la personas más agradables del negocio del rock, etc...pero hoy voy a centrarme en su faceta como "escudero" que nos da una idea de la grandeza del músico, por más que siempre esté en segundo plano, tal vez porque se relacionó con los números uno, con Bowie a la cabeza. 

Y al plato

La verdad es que el currículo de Ronson tira de espaldas. Para empezar, por supuesto David Bowie al que ayudó a encontrar un sonido, una dirección totalmente rock, que una vez que se marchó nunca sería tan importante, salvo en su etapa, breve, con Tin Machine. Con su llegada dejó en un segundo plano el folk desde man who sold the world. Con su guitarra Mick Ronson consiguió poner a la par al duque blanco incluso con el rock más pesado, no hay más que escuchar temas pocos conocidos pero fantásticos de ese disco como the width of a circle para constatar además que el de Hull era un guitarrista superlativo, que podía compararse con figuras como Page, por poner un ejemplo. 



Aunque no solo era guitarrista sino, esto lo conocemos poco, pianista. Gracias a él igual que Rick Wakeman que era músico de estudio en esos años pre Ziggy,changes o life on mars suenan como suenan. Por cierto, rara vez, fuera a la guitarra o al piano, Mick grababa más de una toma. Otra prueba más de su talento. 

Fue capaz de plegarse, pese a que un tipo tímido de Yorkshire como él estaba muy incómodo, a las exigencias de Bowie cuando ideó a los  Spiders from Mars, con ropas y peinados excesivos para un tipo corriente como él, que había sido jardinero antes de músico a tiempo completo solamente dos años antes y no bajó el pistón en the rise and fall, como todos sabemos, dejando momentos guitarreros para la historia:



Siendo la mano derecha de Bowie colaboraba con él en los proyectos que empezaba a apadrinar, ya sabemos que Bowie siempre estuvo muy pendiente de otros músicos a partir de convertirse en estrella con Ziggy y los primeros serían cosa muy seria:  arreglaría un tema para Mott The Hoople




 en el mítico all the young dudes y sería el productor de transformer de Lou Reed.

"Sigue el camino del puño, Lou"


Casi nada y todo en un mismo año, un 72 mágico.para él... Junto a Bowie aún le quedaría tiempo para coger al vuelo su idea para Jean Genie y plasmarlo en otro riff mítico.

 Luego intentaría una carrera en solitario que habría que tocar en otro post y en uno de sus escasos "fracasos" del momento, entraría en Mott justo al final, cuando la banda se iba al garete. Luego se uniría a Ian Hunter, el otro artista aparte de  Bowie con el que tendría más relación, en una sociedad parecida a la que tuvo con el Duque Blanco, solo que duraría mucho más. 




¡Mucho rock n roll!

Aún le quedaría tiempo en los setenta, en un episodio poco conocido, pero no menos importante, para unirse nada menos que a Bob Dylan en la Rolling thunder revue, aunque Ronson detestaba la música del de Duluth, al que en privado llamaba Oso Yogui...el inglés se lo tomó como un trabajo sencillo...y todos sabemos que aquella gira fue una de las mejores y más especiales de Dylan. Gracias en parte también a Mick Ronson

Disimulando con Yogui



En los ochenta, después de firmar junto a su inseparable Hunter un directo imprescindible como Welcome to the club, empezaría a lo grande apuntalando la carrera de John Mellencamp, que le debe no solo que Jack and Diane fuera un éxito...sino incluso que se grabara, el cabezota de Mellencamp pensaba que el tema era una "chorrada" y Ronson, que era su productor, le convenció de que no, que tenía que modificar la percusión, el coro...y ya sabemos que el tema funcionó ¡También tenía buen olfato!


Qué desgracia que se cruzara algo tan duro como un cáncer de hígado en su camino, lo que podría haber aportado todavía a la música en su madurez de haber seguido vivo. Pero aún así le dio tiempo, aparte de grabar heaven and Hull y aparecer en el tributo de Freddy a volver a reconciliarse con Bowie en black tie white noise y producir y grabar in extremis con una banda joven entonces, los Wildhearts, donde cogió sus guitarras y les dio una lección casi postrera a Ginger y cía de como hay que hacer las cosas. 


En definitiva, un escudero fantástico que tantos años después aún se merece mucho más reconocimiento a lo que hizo trabajando para otros. 







grande